En viktig ferdighet for en skuespiller, siden de mest saftige og interessante typene, vurderingene og tilpasningene kunstnerne henter fra det virkelige liv, observerer menneskene rundt dem, deres oppførsel, reaksjoner, etc.: utseende, gest, ansiktsuttrykk, oppførsel osv. Det fiktive vil alltid se ut som et tap ved siden av den gjengitte virkeligheten. For å utvikle observasjonsferdighetene dine, må du følge en enkel regel: aldri slutte å observere! Dette betyr at du ser nøye på hver person du ser, spesielt i uvanlige situasjoner. Alt drama er bygget på konfrontasjonen mellom en person og en ikke-standard situasjon, derfor er virkelighets oppførsel under akutte omstendigheter det mest verdifulle materialet for kunstnere.

Øvelse “Gjenta”

Trening utvikler observasjon og evne til å forstå egenskaper. Se en video av noen som gjør noe. Prøv å huske og vedta hans plastisitet, ansiktsuttrykk, bevegelser og følelsesmessige tilstand. Du trenger ikke å gjenta hans mekaniske handlinger, din oppgave er å ta tak i karakteren og reprodusere den. I de tidlige stadiene av læringen oppfordres studentene til å reprodusere egenskapene til dyr. Du kan også starte med dette. Slå på hvilken som helst kanal om dyreverdenen, velg det dyret du liker best og gå! Husk – skjemaet er ikke det viktigste, det er viktig å fange og formidle den unike karakteren til dyret, ta hensyn til ansiktsuttrykk, bevegelser og til og med puste av karakteren.

Nedsenking under de foreslåtte omstendighetene

Skuespilleren som spiller Romeo er på scenen hele tiden, men omstendighetene i hans rolle tyder på at han er i Verona. I hele forestillingen er denne artisten Romeo, noe som betyr at rundt ham ikke er en scene, ikke et teater, men en ekte middelalderlig Verona. Dette er en omstendighet der han trenger å fordype seg for at publikum skal bli gjennomsyret av spillet hans. En slik ferdighet blir ikke gitt til noen akkurat slik, for det er vanskelig å lure din egen visjon. I tillegg til lokasjonen er det også falske rekvisitter, iscenesatte kamper og drap, og skuespillere kjent fra troppen som må forveksles med ekte Shakespeare-karakterer. Det ser ut til at dette ikke kan gjøres uten spesiell opplæring.

Skisser for ikke-objektive handlinger

Konstantin Stanislavsky løste problemet med tro på omstendigheter enkelt og genialt. I følge hans metode vil utførelsen av fysiske handlinger som er passende for omstendighetene (med forbehold om deres maksimale nøyaktighet) medføre riktig følelsesmessig og mental tilstand. Enkelt sagt, hvis du trenger å være redd, er det bare å begynne å redde livet ditt, så blir du redd i prosessen. En skisse for en meningsløs handling er en liten scene der en skuespiller jobber på et imaginært område med imaginære gjenstander. Målet med denne øvelsen er å oppnå en så nøyaktig detaljert oppførsel som mulig under de gitte omstendighetene. Det kan være hva som helst: fiske på elvebredden, plukke grønnsaker fra hagen, fikse bil osv.

Frigjøring

Skuespillerøvelser for nybegynnere

Evnen til å slappe av er hovedbetingelsen for å mestre kroppen. Alle har sett artistene falle på scenen, men ikke alle vet hvorfor de ikke skader seg selv. Hemmeligheten er at den avslappede kroppen, med riktig ledende bevegelse, ikke faller, men glir glatt på scenen, mens den anspente kroppen slår ganske hardt mot den. De uinnvidde vet ikke om dette, fordi hver person ufrivillig spenner seg opp av frykt når han faller, derav traumer og tilliten som faller alltid vondt. Det er sagn om flaks for alkoholikere som faller fra de øverste etasjene og klarer å ikke bryte noe. Det er noen sannheter i disse historiene, og essensen er at kroppen til en person i en tilstand av sterk alkoholforgiftning er så avslappet som mulig.

Tren for å slappe av hver muskel

Lig på ryggen i den mest komfortable stillingen uten å krysse armer og ben. Slapp av så mye du kan, pust dypt og regelmessig, du kan lukke øynene. Gå mentalt over hvert område av kroppen, start med tærne på venstre fot og opp, og se om du kan slappe av området som testes enda mer. Du vil finne og fjerne ganske mange klemmer, spesielt første gang. Ved å gjenta denne frigjøringsøvelsen hver dag, vil du gradvis bli kvitt klemmene, og derfor stivheten og selvtilliten.

Hva er skuespill?

Skuespill er en profesjonell kreativ aktivitet innen scenekunst, som består i å lage scenebilder (roller), en type scenekunst. For å oppfylle en viss rolle i en teaterforestilling, assimilerer skuespilleren seg som den personen på hvis vegne han handler i stykket. Ved å påvirke betrakteren under forestillingen opprettes et spesielt lekerom og et fellesskap av skuespillere og tilskuere.

I det moderne samfunnet, når folk bruker mye tid på datamaskiner og forskjellige mobile dingser, har mange det vanskelig å føle seg frigjort, håndtere følelsene, kommunisere fritt og være trygg. På grunn av dette opplever folk apati eller frykt, samt vanskeligheter med å uttrykke sine egne tanker og stemninger. Emosjonell depresjon fører til indre klemmer, som ikke bare manifesteres i ansiktsuttrykk, tale, bevegelser, men også i den indre verden. Derfor er skuespill ikke bare nyttig for de som ønsker å bli en profesjonell skuespiller i fremtiden, men også for folk som vil lære å håndtere følelser, være sosial, karismatisk og vellykket i livet.

Elementer av reinkarnasjonskunsten

Grunnlaget for å handle er hovedideen – reinkarnasjon. Reinkarnasjon er ekstern og intern. I ferd med å forberede seg på rollen velger skuespilleren visse ansiktsuttrykk, bevegelser, stemmeintonasjoner, gangart, ty til hjelp av sminke, kostyme, maske. Alt for å formidle oppførselen og andre ytre egenskaper av karakteren han skildrer med maksimal pålitelighet. Men ekte reinkarnasjon handler ikke bare om å formidle karakterens utseende på scenen: skuespilleren avslører den helt åndelige verdenen sin, viser sin karakter, uttrykker sine tanker og følelser.

Begrepene ekstern og intern reinkarnasjon kan bare deles betinget. Vi kan si at dette er to sider av samme mynt – den kreative prosessen, som er nært knyttet til hverandre. I prosessen med reinkarnasjon er handling, tanke og følelse i en uoppløselig enhet.

For å virkelig forvandle deg til karakteren din, må du vite og være i stand til å gjøre mye. Konstantin Stanislavsky identifiserte to nøkkelgrupper av skuespillelementer:

Den første gruppen: skuespillerens arbeid på seg selv. Elementene i denne gruppen representerer psykofysiske prosesser der vilje, sinn, følelser, eksterne og interne kunstneriske data fra skuespilleren deltar. Alt dette kalles av Stanislavsky elementene i skuespillerens kreativitet, de inkluderer: oppmerksomhet, minne, fantasi, en følelse av sannhet, evnen til å kommunisere, emosjonelt minne, en følelse av rytme, taleteknikk, plast.

Andre gruppe: skuespillerens arbeid med rollen. Elementer i den andre gruppen av skuespillerkunst er assosiert med skuespillerens arbeid på rollen, som kulminerer i den organiske sammenslåingen av skuespilleren med bildet av hans karakter, det vil si reinkarnasjon i bildet. Denne gruppen inkluderer ifølge Stanislavsky to typer ferdigheter: presentasjonskunsten og kunsten å oppleve.

Men skuespill handler ikke bare om å reinkarneres til en bestemt karakter, som alt er kjent om. Skuespilleren må tenke ut, forestille seg karakteren sin, det vil si å bli inkludert i den kreative prosessen. Den berømte teaterlæreren Stanislavsky bemerket at den virkelige kreative tilstanden til en skuespiller består av fire viktigste sammenhengende elementer:

Stage oppmerksomhet (aktiv konsentrasjon);
Scenefrihet (kropp fri for spenning);
Scene-tro (korrekt vurdering av de foreslåtte omstendighetene);
Scenehandling (fremvoksende ønske om å handle).

Selvfølgelig er det vanskelig å lære alle elementene i skuespill, og ikke alle kan mestre det. Faina Ranevskaya sa en gang:

Jeg mottar brev – ‘Hjelp til å bli skuespiller’. Jeg svarer: ‘Gud vil hjelpe!’

Sannsynligvis bør du heller ikke stole på en Gud. Det er viktig å ønske og jobbe hardt, og de som prøver virkelig, har hell og lykke.

Vil du teste kunnskapen din?

Hvis du vil teste din teoretiske kunnskap om emnet på kurset og forstå hvordan det passer deg, kan du ta testen vår. I hvert spørsmål kan bare ett alternativ være riktig. Etter at du har valgt ett av alternativene, fortsetter systemet automatisk til neste spørsmål.

Faglig trening og leksjoner

For å mestre de kvaliteter og teknikker som er beskrevet ovenfor som utgjør kunsten å handle, har vi utarbeidet en serie leksjoner for deg.

Leksjon 1. Stanislavskys system. Det er generelt akseptert at systemet til Konstantin Sergeevich Stanislavsky er det ledende systemet for å forberede skuespillere til å utføre en rolle. Denne leksjonen er en kort oppsummering av skuespill, hvorfra du vil lære om de grunnleggende elementene i Stanislavsky-systemet, om hvilke prinsipper det er basert på, hvordan en skuespiller skal jobbe både med seg selv og på rollen for å nå høyden scenekunnskaper. Du vil også kunne forstå hvordan Stanislavskys psykoteknikk skiller seg fra Meyerholds biomekanikk, og om det er mulig å kombinere teknikkene til begge systemene i ditt skuespillarbeid.

Leksjon 2. Profesjonelle kvaliteter til en skuespiller. Denne leksjonen åpner retningen for “arbeid med seg selv” og er viet til de profesjonelle egenskapene som enhver god skuespiller burde ha. Disse egenskapene er valgt under hensyntagen til prinsippene til de ledende teaterskolene i Stanislavsky, Meyerhold, Chekhov og inkluderer sceneattent, emosjonell hukommelse, tale, kreativ tenkning, plastisitet. Innenfor rammen av en leksjon er det selvfølgelig umulig å fortelle hvordan man kan utvikle disse egenskapene i seg selv, derfor har vi bare utarbeidet en beskrivelse av utviklingsretningene og gitt lenker til nyttige artikler, bøker, leksjoner, samt vår online trening.

Leksjon 3. Å håndtere følelser er håndverket til en skuespiller. Den andre leksjonen om skuespillerens arbeid med seg selv er viet til evnen til å vise de rette følelsene “her og nå”. I denne leksjonen vil du lære hvordan en persons følelsesmessige prosesser utføres, og hvilke grunnleggende følelser som finnes (glede, interesse, sinne, frykt og andre). For hver følelse velges anbefalinger og øvelser for å trene ansiktsuttrykk, bevegelser, holdning og andre representative elementer som hjelper til med å uttrykke denne følelsen. I tillegg vil du lære om forankringsteknikken, ved hjelp av hvilken du raskt kan reprodusere den nødvendige følelsesmessige tilstanden i riktig øyeblikk.

Leksjon 4. Opplevelseskunsten og presentasjonskunsten. Kunsten å oppleve er evnen til å bli vant til rollen, å forstå karakteren, tankene, følelsene til helten din. Stanislavsky betraktet kunsten å oppleve som en av hovedattributtene til sannferdig skuespill, som gjør det mulig for skuespilleren å oppleve ekte opplevelser i løpet av å spille, og dette gir opphav til bildets liv på scenen. Fødsel av tekst og handlinger “her og nå” er umulig bare gjennom håndverk og øvelser. Du må venne deg til rollen, du må tenke og føle deg som en karakter, og tro en stund på at skuespilleren er karakteren selv. I denne leksjonen lærer du hvilke øvelser og teknikker som kan brukes til å utvikle kunsten å oppleve for å utfylle ditt skuespillarsenal.

Leksjon 5. Scenetale. I tillegg til andre kvaliteter til en skuespiller, er scenetale en veldig nyttig og krevd ferdighet, som er viet til en egen leksjon i treningen vår. I denne leksjonen vil du lære hva scenetale er, hvilke egenskaper den har, og hvordan du kan trene scenetalen din alene.

Hvordan ta kurs

Naturligvis er det umulig å mestre kunsten å opptre alene hjemme, og bare passere online-kurs. Valget av leksjoner på nettstedet vårt er forberedt for det første for generell kjennskap til det grunnleggende om reinkarnasjonskunsten, og for det andre, slik at du kan prøve noen skuespilløvelser og teknikker. En slik godkjennelse vil tillate deg å forstå hvor enkelt det er for deg å få scenekunnskaper, om skuespillyrket er interessant for deg, og til og med hvor godt du kjenner din indre verden. Leksjonene som er lagt ut på nettstedet vårt er ment for barn, tenåringer og voksne, og er faktisk gratis skuespillerkurs som kan tas online.

Du kan velge tid og treningsmåte selv. Selvfølgelig er det viktig å forstå at jo oftere og oftere du jobber med deg selv og med dine roller, jo mer vil du lære, jo mer og bedre vil du bli på reinkarnasjon.

Det er også viktig at du finner en person som vil hjelpe deg, evaluere deg utenfra. Det kan enten være en profesjonell lærer eller bare din venn og likesinnede. Som en siste utvei kan du bruke et speil eller videokamera for å se deg selv fra siden og gjøre justeringer på egenhånd.

Handling starter med kreativ vilje

En persons kreative vilje er en kraftig drivkraft for utviklingen av en skuespiller. Som i geometri er det aksiomer – utgangspunkt – og teoremer bevist ved hjelp av aksiomer, så i handlingen er det et utgangspunkt, behovet for å anvende som må tas på tro. Dette punktet er den kreative viljen.

Det neste elementet, nært knyttet til kreativ vilje, er sceneoppmerksomhet.

Scenen er den mest seriøse testen for enhver person. Det er veldig vanskelig å holde oppmerksomheten din på noe annet enn publikum. Ved hjelp av kreativ vilje er det nødvendig å venne deg til å kunne kontrollere oppmerksomheten din. Konsentrasjon er den fullstendige konsentrasjonen av en persons tanker og handlinger på et bestemt indre eller ytre objekt. Undervisning i skuespill innebærer konstant trening av oppmerksomhet gjennom spesielle øvelser som tar sikte på å utvikle denne ferdigheten. Et viktig tillegg til dette temaet vil være det faktum at oppmerksomhet og lidenskap er like nært knyttet som kreativ vilje og oppmerksomhet. Og lidenskap er det som gjør at artisten kan “lede” publikum.

Det neste elementet i “systemet” er fantasi

Fantasi er en kraftig stimulant for menneskelig kreativ energi. Vi ville ikke ha hatt et så psykologisk trekk som evnen til å forestille oss, i menneskehetens historie ville det ikke ha vært en eneste vitenskapelig oppdagelse, ikke et eneste kunstverk og ikke en eneste dristig reise. Vår evne til å forestille seg noe som går utover det vanlige skiller oss fra dyr, og handling er uoppnåelig hvis skuespilleren ikke trener fantasien.

Merkelig nok bruker disse tre elementene i prosessen med daglig arbeid profesjonelle skuespillere minst tid. I mellomtiden er dette de “tre søylene” uten som det ikke gir mening å snakke om oppgaven og den overordnede oppgaven, om vurderinger og end-to-end-handling, om implikasjonene og perspektivet til rollen. profesjonalitet innen skuespillfaget tilegnes gjennom hele livet, gjennom daglig trening og analyse.

Akkurat som en ballettdanser eller idrettsutøver må fullføre et bestemt treningsprogram hver dag for å kunne fungere fullt ut, så må en skuespiller trene sin kreative vilje, oppmerksomhet og fantasi hver dag.

Alt som er skrevet ovenfor, er mer for teaterfagfolk enn for folk fra andre yrker.

Samtidig kan det å handle for voksne være en nyttig kilde til ny kunnskap. Å handle i Moskva undervises i en rekke kurs, tilpasset behovene til et bredt spekter av deltakere. Hvis du trenger å forbedre kommunikasjonsferdighetene dine, er selvfølgelig skuespillerteknologi noe som er verdt å bruke litt tid på livet ditt på å lære. I dette tilfellet vil vi imidlertid råde deg til å velge kurs nøye. Først må du forstå hvorfor du trenger (og om du i det hele tatt trenger) trening i skuespill.

Prosjektet vårt fokuserer på anvendelse av skuespillerteknikker i virksomheten og i hverdagen. Samtidig velger vi nøye de temaene der skuespillsteknologier virkelig kan bidra til å oppnå seriøse resultater. Dette er først og fremst alle forretningsprosesser der mellommenneskelig kommunikasjon spiller hovedrollen.

Forhandlinger, presentasjoner, salg, offentlige taler – dette er en rekke bruksområder for fungerende teknologier der disse ferdighetene er veldig nyttige. Og hvis du er interessert i å lære å bruke skuespillerteknikk i næringslivet eller hverdagen, må du nøye studere programmene til kursene du skal delta på. Vi håper denne artikkelen vil hjelpe deg med å velge et passende treningsalternativ.

Hva kan hindre mestring av en ferdighet?

Det er spesielt skadelige faktorer som er rett og slett dårlige for en skuespillers karriere. Her er de viktigste.

Egenkjærlighet. Det er nyttige egenskaper ved egenkjærlighet som presser en person mot selvforbedring og bevegelse fremover. Og når en skuespiller gleder seg over å være på scenen, tenker på hvor vakker han ser ut fra utsiden, er dette allerede narsissisme. Det er fra ham du skal nekte, for på scenen må du leve heltenes liv.
Fraværende sinn. Skuespilleren må fange hvert ord i manuset, hver bevegelse av partneren hans i spillet. Og uten konsentrasjon er det vanskelig å oppnå resultater innen noe aktivitetsfelt. Rollens utøver kan ikke distraheres av fremmede raslinger og uoppmerksomt lytte til mentoren – alt dette truer med ulogikken og upåliteligheten til heltenes image.
Mangler i tale. Det er ikke nødvendigvis burr eller stamming, selv om dette også er viktig. Oppgaven er annerledes: å finne feilene i din egen tale som hindrer deg i å uttrykke tankene dine tydelig og enkelt. Enhver har mangler, for eksempel legger han feil vekt på noen ord, han kan ikke uttale komplekse definisjoner.

For å løse feilene og forbedre de positive elementene i mestring, er det noen øvelser. De er rettet mot begge elementgruppene og vil være nyttige ikke bare i yrket som skuespiller, men også i hverdagen.

Observasjon (kreativ dagbok)

Observer menneskene rundt deg, deres oppførsel og væremåte. Dette utvikler umiddelbart oppmerksomhet og hjelper til med å bli vant til forskjellige bilder. Du kan registrere dine funn i en spesiell dagbok.

“Tenker ut”

Noe relatert til den forrige. På steder der folk samles, må du velge en person for deg selv og “finne på” livet hans. I gangart, stil og måte å forestille seg fortiden sin, hvor han går og hva han tenker på. Utvikler kreativ fantasi.

Indre stemme

Ta et kort dikt og les det for deg selv, og husk intonasjonen til din indre stemme. Dette er din idé om hvordan verset skal høres ut. Les den deretter høyt, ta den opp på opptakeren. Høres det ut som det du hørte inni deg selv?

Utvikling av plast

Se for deg et dyr og kjæledyr det. Mate, ta opp. Det skal fremgå av bevegelsene til hendene hvem det er – en katt eller en liten hamster, eller kanskje en lang slange.

Koordinering av bevegelser

Klapp deg selv på hodet med den ene hånden, klapp deg selv på magen med den andre. Du må gjøre dette samtidig og ikke gå deg vill. Bytt hånd med jevne mellomrom.

Forleng to armer foran deg, vri den ene med klokken, den andre mot klokken. Prøv å ikke gå deg vill. Bytt også hender med jevne mellomrom.

Konstantin Stanislavsky. “Arbeidet til en skuespiller på seg selv”

“Faktisk, når en sann kunstner uttaler Hamlets monolog” Å være eller ikke være, “rapporterer han bare formelt forfatterens tanker til andre og utfører de ytre handlingene som regissøren har angitt ham? Nei, han gir mye mer og setter ord på rollen som seg selv: sine egne ideer om livet, hans sjel, hans livsfølelse og vilje. I disse øyeblikkene blir kunstneren oppriktig rørt av minnene fra sitt eget levde liv, som ligner livet, tankene og følelsene i rollen. “

Det berømte verket til Konstantin Sergeevich Stanislavsky, som inneholder en konsekvent beskrivelse av hans legendariske system, og avslører også betydningen og den praktiske betydningen av metodene hans. Den omfattende boken består av to deler: i den første diskuterer regissøren den kreative prosessen med at kunstneren opplever karakteren til helten, hans superoppgave; den andre handler om den kreative prosessen med å legemliggjøre karakteren, plastisiteten og talen til helten hans, om skuespillernes scene trivsel, samt tilleggsmaterialer og øvelser. Dette legendariske verket er referanseboken for enhver profesjonell skuespiller.

Konstantin Stanislavsky. “Etikk”

“Sen ankomst av bare én person er forvirrende. Hvis alle er forsinkede, vil arbeidstiden ikke brukes på forretninger, men på å vente. Dette blir opprørt og fører til en dårlig tilstand der du ikke kan jobbe. Hvis tvert imot alle behandler sitt kollektive ansvar riktig og kommer til øvelsen forberedt, så skapes en fantastisk atmosfære som fremmer og forfrisker. “

En annen bok fra mesteren er en liten opplæringshåndbok for skuespillere, skrevet på begynnelsen av forrige århundre og fremdeles relevant. Den berører det viktigste temaet – skuespilleretikk: kunstnerens oppførsel i vanskelige livssituasjoner, forhold til kolleger, holdning til yrket og kunsten og andre viktige spørsmål som enhver profesjonell kunstner trenger å vite. Stanislavsky selv snakket om arbeidet sitt på følgende måte: «Om kvelden ble jeg hjemme og skrev, det virker, ikke dårlig, et kapittel om etikk. I går, mandag, på morgenøvinga, leste jeg den for skuespillerne. Det ser ut til at de er gjennomtenkte, og øvelsen var bra. “

Mikhail Chekhov. “Secrets of acting”

“Hvorfor har det såkalte Stanislavsky-systemet en så overbevisende kraft? Fordi det gir den unge skuespilleren håp om å mestre de grunnleggende kreftene i hans kreative natur. Skuespillere som ikke er kjent med formens og stilens lover prøver å bruke gamle, foreldede former. Låning av uegnet materiale fra teaterarsenalet under dekke av scenepassjoner, merker de det med temperament. Skuespilleren begynner å like den vanlige teaterposen, han tar den for teatralsk avslappethet. Hvor ødeleggende denne løsheten er for ham! Det fører til tøffhet ikke bare på scenen, men også i livet. “

Memoarer til den store russiske dramatiske skuespilleren Mikhail Aleksandrovich Chekhov, en student av Stanislavsky, som etter å ha utvandret til USA grunnla sin egen skuespillerskole hvor Marilyn Monroe, Clint Eastwood og andre Hollywood-stjerner studerte. I boka deler Mikhail Chekhov sin erfaring, avslører skuespillets hemmeligheter, reflekterer over Stanislavsky-systemet og husker de store menneskene som påvirket livet hans. Denne publikasjonen inneholder flere biografiske materialer: “The Way of the Actor”, “Life and Meetings”, “Memories of Rachmaninov”, “On the Stanislavsky System”, “On the Technique of the Actor”, “Conversations, Notes”.

Nikolay Demidov. “Kreativ arv”

“En av de største manglene ved en skuespiller er selvtillit. Mistillit til at det lille, hverdagslige, beskjedne er bra, at det er bra. En scene er en scene. Hundrevis og til og med tusenvis av øyne ser på meg – er det virkelig interessant for dem om jeg skal gjøre noe ille og utydelig her foran dem på scenen? Og enda mer hvis jeg ikke gjør noe? Derfor avgrenser skuespilleren seg, prøver, pisker seg opp, skynder seg. Og han skyndte seg – han “hoppet” over sannheten sin, over livet sitt – og falt i løgn, til narrestreker. For å rette på dette er det nødvendig å utvikle troen på seg selv hos studentene på alle måter. “

En serie bøker om scenekunnskapene til den store russiske teaterregissøren og læreren Nikolai Vasilyevich Demidov. Samlingen av verk består av fem bøker, hvorav tre klarte Demidov å fullføre før hans død (“The Art of the Actor in His Present and Future”, “Typer of Actor”, “The Art of Living on Scene”), andre to ble samlet fra notater og skisser av individuelle kapitler … Det skjedde slik at Demidovs metode, beskrevet i hans manuskripter, ble avvist av tilhengerne av “Stanislavsky-systemet” og ble utstøtt, så bøkene ble utgitt etter Nikolai Vasilyevichs død. Inntil nå finner hans innovative metode for å undervise skuespillere sine tilhengere.

Ivana Chubbuck. “Handlende mestring: Chubbuck-teknikken”

“En skuespiller, overveiende opptatt av sine egne opplevelser, vender energien innover og er ikke i stand til å inspirere eller lade hverken seg selv eller publikum med den. Samtidig får en person som gjør alt for å overvinne smertene og oppnå sitt mål, publikum se med ventet åndedrag, fordi hans oppførsel er livlig og uforutsigbar. Enhver kreativ beslutning innebærer risiko og som et resultat en vei inn i det ukjente. Det er ikke nok for en skuespiller å være ærlig. Jobben til en skuespiller er å med jevne mellomrom ta visse valg som fører til fantastiske resultater. Du kan male lerretet med oljemaling, men hvis resultatet ikke er et fantastisk maleri, er det ingen som vil se på det. “

En guide til å handle av en kjent amerikansk lærer, blant studentene hennes er Brad Pitt, Halle Berry, Jim Carrey, Eva Mendes og andre Hollywood-stjerner. Basert på Stanislavsky-metoden og mange andre klassiske skoler, har Chubbuck dannet sin egen teknikk, som lar deg lære å komme inn i bildet og gi ønsket vurdering med noen få trinn. Boken inneholder mange oppskrifter for å skape de nødvendige handlende følelser, noe som bokstavelig talt gjenspeiles i tittelen på kapitlene: “Opplever graviditet (fra et mannlig og kvinnelig synspunkt)”, “Organiske følelser av død og døende”, “Gi emosjonell troverdighet til arr og blåmerker “, etc.. d.

Bestemme hvilke kvaliteter en skuespiller skal ha

Egenskapene til en skuespiller er de personlige egenskapene til en person, som sammen gir muligheten til å lykkes med å spille forskjellige roller.

I motsetning til spesifikke ferdigheter, for eksempel evnen til å le i tide eller vise overraskelse, kombinerer profesjonelle kvaliteter et helt spekter av ferdigheter og evner, noe som gjør det umulig å vurdere hver kvalitet i detalj i en leksjon. Derfor vil denne leksjonen beskrive de generelle trekkene ved hvilke kvaliteter og ferdigheter en god skuespiller skal ha. I tillegg må scenekunstneren ikke bare ha et visst sett med personlige og profesjonelle egenskaper, men også kontinuerlig, daglig arbeid med seg selv, forbedre ferdighetene sine. Derfor, for hver kvalitet, gis anbefalinger og øvelser for opplæring og utvikling. De vil bli vurdert i samsvar med strukturen foreslått av Stanislavsky, hans tilhengere og studenter:

Den første gruppen “Qualities of any good actor” er de ferdighetene som er nødvendige for enhver person å bruke skuespill i livet, uansett om han planlegger å bruke dem til å opptre i teatret eller filme en film, eller bare vil se troverdig ut, forklarer en time for sent på jobb. I forhold til disse egenskapene kan du trygt bruke klisjéen “nødvendig minimum” – dette er hva alle burde vite og kunne gjøre.

Den andre gruppen “Profesjonelle kvaliteter” trengs i større grad av fagpersoner, de som handler er et håndverk for. Disse egenskapene er assosiert med arbeid på scenen, interaksjon med skuespillere, tilskuere og mange andre viktige komponenter i skuespillet.

Kvaliteter til enhver god skuespiller

Utviklet oppmerksomhet

Alle gjør jobben sin bedre hvis han ikke blir distrahert av noe, og hans oppmerksomhet er bare fokusert på emnet i den aktuelle leksjonen. Skuespillere er ikke noe unntak, for hvem livet på scenen er umulig uten evnen til å observere, evnen til å bytte og fokusere oppmerksomheten i scenemiljøet.

I denne forbindelse er en av grunnlaget for skuespillerens interne teknikk sceneattentitet – den selektive orienteringen av persepsjon under forestillingen. Mange av våre lesere som er kjent med verktøyene for å utvikle oppmerksomhet, vil sannsynligvis legge merke til at konsentrasjonsevnen på et visst nivå av opplæring blir vilkårlig. Dette er sant, men når det gjelder kunsten å handle, er alt mye mer komplisert enn det kan se ut ved første øyekast. Faktum er at i hverdagen vår oppmerksomhet er drevet av ubetingede reflekser, med andre ord, instinktivt. Under en samtale tenker vi aldri på hvordan vi skal stå eller sitte, hvordan vi skal kontrollere stemmen osv. Men for en kunstner er dette viktig, fordi han i et ekte scenemiljø må ta hensyn til alle aspekter av spillet – tale, gester, ansiktsuttrykk, holdning, prompter,

Følgende anbefalinger vil hjelpe en skuespiller å oppnå suksess med å utvikle denne kvaliteten:

Ikke prøv å huske for mange detaljer. Dette fører til såkalte skuespillerklemmer: ufrivillige handlinger på scenen som forråder usikkerheten din. Husk at 7 pluss eller minus 2-regelen fungerer for alles oppmerksomhet.
Oppmerksomhet og korttidshukommelse er ferdigheter som målrettet kan manipuleres ved hjelp av for eksempel spillteknikker. Hvordan du gjør dette, les spesiell leksjon “Oppmerksomhet og minne” på nettstedet vårt.
Oppmerksomhet avhenger veldig av den nåværende mentale og fysiske tilstanden til en person, for eksempel hvor mye han sov, om han er bekymret for personlige problemer i dag. Forsøk alltid å opptre i godt humør. For dette formålet kan du bruke yoga og meditasjon.

KS Stanislavsky mente også at prosessen med å forbedre dyktigheten burde være konstant: “Ser man på livet, bør kunstneren ikke se seg om som en fraværende mann på gaten og ikke som en kald statistiker som bare trenger den faktiske og digitale nøyaktigheten av informasjonen som er samlet inn. Kunstneren trenger å trenge inn i essensen av det observerte, nøye studere omstendighetene og handlingene til mennesker som er foreslått av livet, for å forstå sjelens sminke, karakteren til den som utfører disse handlingene. ” I tillegg er det laget et sett med spesielle øvelser for å lære scenenes oppmerksomhet:

Øvelse 1. Ta et ukjent bilde, se nøye på det i 5 sekunder, og prøv å huske alle detaljene. I fremtiden kan du ta store lerret med komplekse design.

Øvelse 2. Ta en blyant i hver hånd og begynn å tegne samtidig: med høyre – en sirkel, med venstre – en trekant. Det er viktig å fullføre begge figurene samtidig. Du kan også skrive forskjellige tall eller bokstaver.

Oratoriske ferdigheter

“Vi hater teatralitet i teatret, men vi elsker teater på scenen … stemmen skulle synge i samtale og i poesi, høres ut som en fiolin, og ikke banke ord som erter på en tavle,” skrev KS Stanislavsky. Evnen til å snakke foran publikum, å holde taler som lenge har blitt en modell for retorikk (og det er mange av dem innen drama) er en viktig egenskap ikke bare for offentlige personer eller universitetslektorer. En og samme tale kan holdes slik at alle sovner, eller omvendt, de vil fange hvert ord. Mye avhenger av taleren, så det er viktig for hver nybegynner å utvikle scenetalen sin.

Scenetale er et profesjonelt uttrykksmiddel for en skuespiller og teatralsk utførelse av et dramatisk verk.

Besittelse av denne kvaliteten er også viktig fra retorikkens synspunkt – som evnen til taleimprovisasjon. Gjennom å snakke formidler skuespilleren til betrakteren den indre verden, sosiale, psykologiske, nasjonale, hverdagslige karaktertrekk ved karakteren.

En av grunnlaget for taleteknikken er følelsen av tempo-rytme, oppdaget og beskrevet av KS Stanislavsky. Han la merke til sammenhengen mellom ham og følelser: “Jeg satte fart i tempoet – jeg tok kortere tid til handling, til tale, og tvang meg selv til å handle og snakke raskere. Senket tempoet – frigjorde mer tid til handling og tale … “. Ved å endre tempo og rytme endrer skuespilleren også rekkevidden til følelsene han opplevde for øyeblikket.

Denne oppdagelsen er av stor betydning for teatret, siden det under produksjonen gjør det mulig å kontrollere ikke bare følelsene hans, men også utviklingen av sceneshandlingen som helhet, gjennom en endring i tempo-rytmen til skuespilleren. påvirke glattheten eller omvendt stormen. Les mer i boka Actor’s Work on Oneself.

Du bør også ta hensyn til utviklingen av stemmen din, lyden. For å gjøre dette må du utføre et sett med øvelser for å sette puste, artikulasjon, tonalitet, diksjon. Her er noen av dem:

Øvelse 1. Pusteutvikling. Startposisjon: stående, armer fra skulder til albue i horisontal stilling (parallelt med gulvet). Ned fra albuen (underarmer og hender) – heng vertikalt. Pust inn gjennom magen, mens vi puster ut, uttaler vi lyden “p” og lager en sirkulær bevegelse med underarmene og hendene, skulderen forblir fast. Ved neste utpust gjør vi 2 sirkulære svinger, deretter 3 og så videre til 6. Deretter reduserer vi hastigheten fra 6 til 1.

Oppgave 2. Diksjon. Prøv å reprodusere lyden av å hamre en spiker i en vegg, en hest som tråkker på asfalten, eller senke buesnoren. Du bør ikke få et banalt “tsok”, men noe som ligner på “svsy”, “tztsu”, “vzsi”, med andre ord – kutt handlingen i lydene du hører.

Fantasi og evnen til å tenke kreativt

Utviklet fantasi og kreativitet er egenskapene som hver skuespiller trenger for å kunne “venne seg til” rollen, “rettferdiggjøre” karakteren med de foreslåtte omstendighetene, og spille en rolle ut fra teksten. Dette er mye mer komplisert enn i tilfelle sannheten i livet, som eksisterer av seg selv og som en person aldri grubler over. A. N. Tortsov skrev: “Men når denne virkeligheten ikke er på scenen, og det er et spill, så krever opprettelsen av sannhet og tro en forberedelse. Det ligger i at første sannhet og tro oppstår i et imaginært livs plan, i fiksjon, og deretter overføres de til scenen. ” Med andre ord, uten sterk fantasi, vil en skuespiller aldri kunne oppnå en følelse av sannhet.

Sans for sannhet er evnen til å føle plausibiliteten (realismen) til handlingen som blir tatt. Det er primært assosiert med forståelse av prinsippene for menneskelige handlinger, logikken og insentivene for handlingene til helten som spilles. For det andre er det skuespillerens evne til å skille mellom naturlige følelser og atferd fra unaturlige, og ikke bare fremmede, men også deres egne. Utviklingen av en følelse av sannhet hindres av “fysiske klemmer” – sier at kjedelig realisme og naturlighet (ønske om å skille seg ut, stivhet, selvkontroll). For å bli kvitt dem, anbefalte K.S. Stanislavsky i to trinn:

Utvikle sannheten om enkle fysiske handlinger. I livet heller vi kokende vann over te, rører sukker, drikker uten å tenke på arten av disse handlingene og utfører dem automatisk. De enkleste fysiske handlingene er forståelige og nærme alle, så det er verdt å begynne med treningen deres i scenemiljøet, og gradvis bevege seg mot sannferdighet av følelser.
Utvikling av logikk og konsistens. Fysiske handlinger er instinktive, men i teatret er hendelser fiktive og foregår for eksempel et par århundrer før vår tid, i forbindelse med hvilke hverdagslige instinkter mislykkes. Derfor må skuespillere underordne sine handlinger til logikk og sekvens, og utføre dem som i livet, for uten dette kan ikke følelsen av tro utvikles.

Som nevnt ovenfor spiller fantasi og fantasi en viktig rolle i å gi en følelse av sannhet – egenskaper som lar en skuespiller forklare og rettferdiggjøre handlingene til sin karakter. Opprinnelsen til rollen, opplevelsene og følelsene oppnås ikke bare takket være den emosjonelle responsen, men også evnen til å tro på heltenes handlinger, å ta hans plass for å forstå deres natur. Uten dette er det ikke noe godt sannferdig spill.

Emosjonelt minne

Minne er viktig for en skuespiller ikke bare fra synspunktet til evnen til å huske og reprodusere tekst (selv om dette uten overdrivelse er veldig viktig). Det har allerede blitt gjentatte ganger bemerket ovenfor at en integrert egenskap for et godt spill er evnen til å formidle heltenes følelser, gjennom hvilken hans indre verden avsløres, og som et resultat får stykket kunstnerisk fullstendighet. Derfor bør en nybegynner skuespiller ikke bare være oppmerksom på utviklingen av minne for å huske store mengder tekstinformasjon, men også å lære å huske og gjenskape følelser og følelser.

For å gjøre dette må du trene ditt følelsesmessige minne – evnen til å huske, bevare og reprodusere følelsesmessig fargede fenomener, minne for følelser. Følelsene som oppleves og lagres i minnet under representasjon (reproduksjon) fungerer som signaler som påvirker ansiktsuttrykk, bevegelser, tale og andre atferdselementer.

Denne typen minne er veldig viktig i dannelsen av personligheten til enhver person, og enda mer av en skuespiller. Saken er at arten av opplevelsene hans er slik at man under spillet ikke kan leve med de samme følelsene og følelsene som i det virkelige liv. Livs- og scenefølelser er forskjellige i opprinnelsen. Scenehandling oppstår ikke, som i livet, som et resultat av en reell (ikke-konstruert) stimulans. Enhver følelse kan bare tilbakekalles fordi den er kjent for oss av erfaring. Dette kalles emosjonelt minne. Virkelige livserfaringer er primære, og de fremkalte følelsesmessige opplevelsene på scenen er reproduksjon av følelser som er sekundære i forhold til skuespillerens minne.

Anbefalinger for utvikling av emosjonelt minne:

Utvid dine følelsesmessige horisonter. Stanislavsky krevde at studentene hans skulle være inntrykkelige, prøve å få så mange inntrykk fra livet som mulig og nøye ta vare på seg selv i de mest levende og fulle av følelsesmomenter.
Vær oppmerksom. I tillegg til dine egne følelser, se opp for andre også, observer forskjellige mennesker og identifiser detaljer som er karakteristiske for forskjellige følelser.
Tren minnet ditt. Evnen til å bruke spesielle memoriseringsteknikker, mnemonics blir diskutert i en egen opplæring på nettstedet vårt dedikert til utvikling av minne.
Lær å reprodusere følelser ved hjelp av spesielle teknikker som lar deg raskt oppdatere minnet ditt om de ønskede følelsene. Disse inkluderer ankre (eller lokkefugler): eksterne eller interne stimulatorer av skuespillerens respons. For eksempel kan de fleste av oss lett huske følelsen av å bli forelsket hvis vi husker vår første kjærlighet. Men følelser kan ikke bare stimuleres av hukommelse, men også av noe ekte objekt, lyd eller til og med lukt. Les mer om prinsippene for reproduksjon av følelser i neste leksjon om å handle.

Scenefrihet

De sier at en dyktig sverdmann alltid kan identifiseres ved måten han beveger seg: hans bevegelser er glatte, men dyktige nok, tillit sees i hvert trinn, som i enhver bevegelse – kald beregning. Dette synet er kanskje litt romantisert, men gjenspeiler den generelle essensen – mennesker med forskjellige yrker beveger seg på forskjellige måter. Skuespillere er ikke noe unntak: stillinger, bevegelser, til og med banal gange, som skal være preget av frihet.

Frihet forstås som den naturlige oppførselen til en skuespiller på scenen når han ikke handler, men lever. Det er anskaffet i løpet av utviklingen av en slik komponent av den handlende teknikken som scenebevegelse. Både i Stanislavskys system og hans tilhengere, spesielt V.E. Meyerhold, ble bevegelsen tildelt stedet for hovedmidlet til skuespillerens eksterne teknikk. Samtidig argumenterte de for at det ikke fantes noen spesielle metoder for å lære nykommere til kunsten å bevege seg riktig: “Du kan ikke lære den kreative anvendelsen av bevegelse, men du kan bare utdanne det nevrofysiske apparatet i en retning som er spesielt gunstig for scenearbeid. “

I denne forbindelse bør skuespilleren utvikle kvaliteter som plastisitet og kontroll over muskelspenninger. Plast – skjønnheten i bevegelse, nåde, kunstnerens uttrykksevne – det ytre utseendet til bevegelsen som utføres. Stresskontroll gjør at skuespilleren kan utføre bevegelser riktig – ikke mekanisk, men heller ikke overdrevet eller uforsiktig. Siden mangel på bevegelse har blitt et vanlig fenomen for moderne mennesker, må skuespilleren ta hensyn til sin fysiske tilstand. Her er noen øvelser:

Øvelse 1. Lær å danse. Dans er et klassisk emne innen teateropplæring. Ingenting utvikler plast bedre enn vals eller polka.

Oppgave 2. Dukkedukke. Se for deg at du er en dukke som henger på en krok i garderoben etter forestillingen. Prøv å skildre stillingen så nær dukkens posisjon som mulig. Tenk deg nå at du blir “hengt” i nakken, deretter på armen, skulderen og til og med øret – kroppen er festet på et tidspunkt, alt annet er avslappet. Å gjøre denne øvelsen flere ganger om dagen vil bidra til å utvikle kroppsplast og frigjøre muskelklemmer.

Øvelse 3. Stå på ett ben så lenge du kan. Å fokusere på et imaginært objekt bidrar vanligvis til å forlenge denne tiden. Du kan for eksempel gå mentalt den daglige reisen hjemmefra til jobb eller til butikken. Fra overdreven belastning vil musklene slappe av etter en stund, og muskelspenning etter normal normalitet vil forsvinne

Hvem er skuespiller?

Skuespiller er en profesjonell utøver av forskjellige roller i teater, kino, sirkus, ballett, reklame, etc. Noen ganger regnes ordene “skuespiller” og “kunstner” som ekvivalente, selv om skuespill er et bredere konsept, er det vanligvis nok for kunstnere å oppnå mestring bare i en smal spesialisering, for eksempel sang eller pantomime. Sikkert, mange tenkte på karrieren til en skuespiller, men bare noen få valgte dette vanskelige yrket.

Hvilke egenskaper og ferdigheter skal en skuespiller ha?

For å bli skuespiller må du ha mange profesjonelle kvaliteter, for eksempel en følelse av tempo, rytme, god artikulasjon, kunstnerskap, et godt minne, en forkjærlighet for kreativitet, etc. En profesjonell aktør må ha utviklet ferdighetene til både team- og individuelt arbeid, ansvar, samt evnen til å utføre oppgaven satt av regissøren.

Karriere

Vanligvis, etter endt utdanning, går ambisiøse skuespillere på teatre. Vanligvis er lønnen der veldig liten, og generelt avhenger inntekten av teaterets prestisje og av skuespillerens ansettelse i forestillinger i løpet av måneden.
Også profesjonelle skuespillere kan spille i filmer, TV-serier og reklame, men dette arbeidet er ustadig, så inntekten er relativ. Betaling for en skytedag varierer fra 500 til 100.000 rubler per dag, avhengig av berømmelsen til skuespilleren og budsjettet til prosjektet som skuespilleren deltar i.

Negative sider av yrket til en skuespiller

Yrket til en skuespiller er komplekst og ansvarlig. Den fremtidige skuespilleren må være klar til å utføre akrobatiske stunts på scenen og på kinoen, mulige skader, sterkt psykologisk stress, langtidsarbeid uten hvile under øvelser og filmopptak, og til og med til feltarbeidsforhold under filming på stedet.

Hvor får du et yrke?

I Russland er det en rekke høyere og sekundære spesialiserte utdanningsinstitusjoner som underviser i skuespill. De fleste av dem har et strengt utvalg og en flott konkurranse. I tillegg til de vanlige eksamenene, må søkeren bestå en kreativ test – en audition der den fremtidige skuespillerens profesjonelle evner avsløres. Men i tillegg til teateruniversiteter, er det mange forskjellige studioer og kurs der du kan starte reisen din inn i skuespilleryrket.

Beskrivelse av yrket

En skuespiller (artist) er en profesjonell utøver av roller i teater, opera, kino, ballett. Yrket er basert på kunsten å reinkarnere fra ett bilde til et annet og dermed påvirke betrakteren – å vekke følelser og følelser i ham, å presse ham til å tenke.
En skuespiller er en allsidig kreativ spesialist som kan synge, danse og til og med være stille på scenen. Skuespillerne selv verdsetter yrket for at de kan bytte rolle og leve mange liv. I dag blir han ridder, i morgen skal han forkle seg som kvinne, og på lørdag morgen spiller han en kanin eller et flygende teppe

Fordeler og ulemper med yrket

Positive aspekter ved yrket:
+ Interessant kreativt arbeid
+ Publikums popularitet og kjærlighet
+ Evnen til å reise
+ Kreativt miljø
+ Og til og med muligheten til å en gang gå inn i historien

Men i yrket som skuespiller kan man også nevne negative sider:
– Uregelmessig arbeidstid
– Ustabil inntjening
– Turer og liv på hotell, ikke alltid under komfortable forhold
– For ballett- og sirkusdansere er det stor sannsynlighet for skade

Hvilke egenskaper skal ha (personlige egenskaper)

Skuespiller er et yrke som er mer egnet for ekstrovert. Skuespilleren føler fansens oppmerksomhet ikke bare på scenen, men også i sitt personlige liv. Hvis du ikke er klar til å samhandle med et stort antall mennesker på settet, kan konstant kommunikasjon med journalister være psykologisk vanskelig å jobbe som skuespiller.
evnen til lett å konvergere med mennesker og kreativitet, skuespilleren trenger: Evnen til å snakke offentlig (ikke vær redd for scenen
Evnen til å jobbe i et team
Utmerket minne
Hardt arbeid
Utholdenhet og fysisk form
Selvtillit
Energi

Hvor du skal studere

Teateruniversiteter og høyskoler utdanner fremtidige skuespillere. Der lærer de skuespill, scenebevegelse og tale, akrobatikk, vokal, dans og mange andre profesjonelle ferdigheter. For den vellykkede utførelsen av rollen, må skuespilleren lære å analysere den, føle og bokstavelig talt leve livet til sin karakter.
For å komme inn i “talentverkstedet”, må du gjennom en enorm konkurranse – opptil 450 personer per plass. Ta, selv om han aldri har studert i et teaterstudio og har lave USE-poeng.

De mest berømte kreative høyskolene i landet for fremtidige skuespillere, kunstnere og musikere: Det
russiske musikkakademiet. Gnessin
Academic Music College ved Moscow State Conservatory oppkalt etter P.I. Tchaikovsky
Moscow State Academy of Koreography
Moscow Theatre College på Moscow Theatre under ledelse av O. Tabakov
Moscow State Theatre College (teknisk skole) oppkalt etter L.A. Filatova Det er teateruniversiteter
i de fleste byer i Russland. De mest berømte og prestisjetunge er:
All-Russian State University of Cinematography oppkalt etter V.I. S.A. Gerasimova (VGIK)
Høyere teaterskole (institutt) oppkalt etter M.S. Shchepkin på State Academic Maly Theatre of Russia (VTU oppkalt etter Shchepkin)

Russian University of Theatre Arts – GITIS (GITIS)
Theatre Institute oppkalt etter Boris Shchukin på State Academic Theatre. Eug. Vakhtangov
Moskva statskonservatorium P.I. Tchaikovsky

Hvor du skal jobbe

En skuespiller kan jobbe som programleder eller animatør, opptre i reklame, være stand-up komiker eller youtube-blogger. Men det ettertraktede verket i spesialiteten finner du:
• på teatre (Satyricon, Moscow Art Theatre oppkalt etter A.P. Chekhov, Bolshoi Theatre, Wien Opera)
• i kino (Mosfilm, Lenfilm, Hollywood)
• i et sirkus (Moscow Nikulin Circus on Tsvetnoy Boulevard, Cirque du Soleil)
• på scenen

Lønn (lønnsområde)

Bortsett fra inntektene til stjerneskuespillere og sangere som Dmitry Nagiyev, Sergei Shnurov eller Svetlana Khodchenkova,
varierer gjennomsnittslønnen til en skuespiller fra 40 til 200 000 rubler per måned.
Lønn i kino og på scenen er høyere enn i teater og sirkus.

Kilder som brukes og nyttige lenker om emnet: https://zen.yandex.com/media/orator/uprajneniia-po-akterskomu-masterstvu-dlia-nachinaiuscih-5ec712859a3f742070ee74b5 https://4brain.ru/akterskoe-masterstvo/ https: / /act-tech.ru/akterskoe-masterstvo.html https://www.Teatr-Benefis.ru/staty/akterskoe-masterstvo/osnovnye-sostavlyayushhie-aktyorskogo-ma/ https://tvkinoradio.ru/article/article4493 – 10-knig-po-akterskomu-masterstvu https://4brain.ru/akterskoe-masterstvo/kachestva.php https://fulledu.ru/articles/81_professiya-aktr.html https://proforientator.ru/publications/ artikler /professiya-akter.html

Opptakskilde: lastici.ru