Une compétence vitale pour un acteur, puisque les types, évaluations et adaptations les plus juteux et intéressants que les artistes puisent dans la vie réelle, observant les personnes qui les entourent, leur comportement, leurs réactions, etc. Le fictif ressemblera toujours à une perte à côté du réel reproduit. Pour développer vos capacités d’observation, vous devez adhérer à une règle simple: n’arrêtez jamais d’observer! Cela signifie que vous regardez attentivement chaque personne que vous voyez, en particulier dans des situations inhabituelles. Tout drame est construit sur la confrontation entre une personne et une situation non standard, par conséquent, le comportement de vraies personnes dans des circonstances aiguës est le matériau le plus précieux pour les artistes.

Exercice “Répéter”

L’exercice développe l’observation et la capacité à saisir les caractéristiques. Regardez une vidéo de quelqu’un faisant quelque chose. Essayez de vous souvenir et d’adopter sa plasticité, ses expressions faciales, ses gestes et son état émotionnel. Vous n’avez pas à répéter ses actions mécaniques, votre tâche est de saisir le personnage et de le reproduire. Dans les premiers stades de l’apprentissage, les élèves sont encouragés à reproduire les caractéristiques des animaux. Vous pouvez également commencer par ceci. Activez n’importe quelle chaîne sur le monde animal, choisissez l’animal que vous aimez le plus et c’est parti! Rappelez-vous – la forme n’est pas l’essentiel, il est important de capturer et de transmettre le caractère unique de l’animal, en faisant attention aux expressions faciales, aux gestes et même à la respiration du personnage.

Immersion dans les circonstances proposées

L’acteur qui joue Roméo est sur scène tout le temps, mais les circonstances de son rôle suggèrent qu’il est à Vérone. Pendant toute la durée de la représentation, cet artiste est Roméo, ce qui signifie qu’il n’y a pas autour de lui une scène, pas un théâtre, mais une véritable Vérone médiévale. C’est une circonstance dans laquelle il doit s’immerger pour que le public s’imprègne de son jeu. Une telle compétence n’est donnée à personne comme ça, car, voyez-vous, il est difficile de tromper votre propre vision. En plus de l’emplacement, il y a aussi de faux accessoires, des combats et des meurtres mis en scène, et des acteurs familiers de la troupe qui doivent être confondus avec de vrais personnages shakespeariens. Il semble que cela ne peut se faire sans une formation spéciale.

Croquis d’actions non objectives

Konstantin Stanislavsky a résolu le problème de la croyance aux circonstances de manière simple et ingénieuse. Selon sa méthode, l’exécution d’actions physiques appropriées aux circonstances (sous réserve de leur précision maximale) entraînera le bon état émotionnel et mental. En termes simples, si vous avez besoin d’avoir peur, commencez simplement à sauver votre vie et vous aurez peur dans le processus. Une esquisse pour une action inutile est une petite scène dans laquelle un acteur travaille sur une zone imaginaire avec des objets imaginaires. Le but de cet exercice est d’obtenir le comportement détaillé le plus précis possible dans les circonstances données. Cela peut être n’importe quoi: pêcher au bord de la rivière, cueillir des légumes du jardin, réparer une voiture, etc.

Émancipation

Exercices d’acteurs pour les débutants

La capacité à se détendre est la condition principale pour maîtriser le corps. Tout le monde a vu les artistes tomber sur scène, mais tout le monde ne sait pas pourquoi ils ne se font pas de mal. Le secret est que le corps détendu, avec le mouvement de tête correct, ne tombe pas, mais glisse doucement sur la scène, tandis que le corps tendu bat contre lui assez fort. Les non-initiés ne le savent pas, car chaque personne se crispe involontairement de peur quand elle tombe, d’où le traumatisme, et la confiance qui tombe fait toujours mal. Il y a des légendes sur la chance des alcooliques qui tombent des étages supérieurs et parviennent à ne rien casser. Il y a une part de vérité dans ces histoires, et son essence est que le corps d’une personne en état d’intoxication alcoolique forte est aussi détendu que possible.

Exercice pour détendre chaque muscle

Allongez-vous sur le dos dans la position la plus confortable sans croiser les bras et les jambes. Détendez-vous autant que vous le pouvez, respirez profondément et régulièrement, vous pouvez fermer les yeux. Marchez mentalement sur chaque zone du corps, en commençant par les orteils du pied gauche et vers le haut, et voyez si vous pouvez détendre encore plus la zone testée. Vous trouverez et enlèverez pas mal de pinces, surtout la première fois. En répétant cet exercice d’émancipation tous les jours, vous vous débarrasserez progressivement des pinces, et donc de la raideur et du doute de soi.

Qu’est-ce que jouer?

Le théâtre est une activité de création professionnelle dans le domaine des arts de la scène, consistant à créer des images de scène (rôles), un type d’arts de la scène. Remplissant un certain rôle dans une représentation théâtrale, l’acteur, pour ainsi dire, s’assimile à la personne au nom de laquelle il joue dans la pièce. En influençant le spectateur pendant la représentation, un espace de jeu spécial et une communauté d’acteurs et de spectateurs sont créés.

Dans la société moderne, lorsque les gens passent beaucoup de temps devant des ordinateurs et divers gadgets mobiles, beaucoup ont du mal à se sentir libérés, à gérer leurs émotions, à communiquer librement et à avoir confiance en eux. Pour cette raison, les gens éprouvent de l’apathie ou de la peur, ainsi que des difficultés à exprimer leurs propres pensées et humeurs. La dépression émotionnelle conduit à des pinces internes, qui se manifestent non seulement dans les expressions faciales, la parole, les mouvements, mais également dans le monde intérieur. Par conséquent, jouer est utile non seulement pour ceux qui veulent devenir un acteur professionnel à l’avenir, mais aussi pour ceux qui veulent apprendre à gérer les émotions, être sociable, charismatique et réussir dans la vie.

Éléments de l’art de la réincarnation

La base de l’action est son idée principale – la réincarnation. La réincarnation est externe et interne. Dans le processus de préparation du rôle, l’acteur sélectionne certaines expressions faciales, gestes, intonations de voix, démarche, recourt à l’aide de maquillage, costume, masque. Tout cela afin de transmettre avec une fiabilité maximale le comportement et les autres attributs externes du personnage qu’il incarne. Mais la vraie réincarnation ne consiste pas seulement à transmettre l’apparence du personnage sur scène: l’acteur révèle le monde spirituel de son héros, montre son personnage, exprime ses pensées et ses sentiments.

Les concepts de réincarnation externe et interne ne peuvent être divisés que conditionnellement. Nous pouvons dire que ce sont les deux faces d’une même médaille – le processus de création, qui sont étroitement liées l’une à l’autre. Dans le processus de réincarnation, l’action, la pensée et le sentiment sont dans une unité indissoluble.

Pour vraiment devenir votre personnage, vous devez savoir et être capable de faire beaucoup de choses. Konstantin Stanislavsky a identifié deux groupes clés d’éléments d’acteur:

Le premier groupe: le travail de l’acteur sur lui-même. Les éléments de ce groupe représentent des processus psychophysiques auxquels participent la volonté, l’esprit, les émotions, les données artistiques externes et internes de l’acteur. Tout cela est appelé par Stanislavsky les éléments de la créativité de l’acteur, ils comprennent: l’attention, la mémoire, l’imagination, le sens de la vérité, la capacité de communiquer, la mémoire émotionnelle, le sens du rythme, la technique de la parole, le plastique.

Deuxième groupe: le travail de l’acteur sur le rôle. Des éléments du deuxième groupe d’art d’acteur sont associés au travail de l’acteur sur le rôle, aboutissant à la fusion organique de l’acteur avec l’image de son personnage, c’est-à-dire à la réincarnation dans l’image. Ce groupe, selon Stanislavsky, comprend 2 types de compétences: l’art de la présentation et l’art de l’expérience.

Mais agir ne consiste pas seulement à se réincarner dans un personnage spécifique, dont tout est connu. L’acteur doit réfléchir, imaginer son personnage, c’est-à-dire être inclus dans le processus de création. Le célèbre professeur de théâtre Stanislavsky a noté que le véritable état créatif d’un acteur se compose de quatre éléments interdépendants les plus importants:

Attention à la scène (concentration active);
Liberté de scène (corps sans tension);
Stage foi (évaluation correcte des circonstances proposées);
Action scénique (désir émergent d’agir).

Bien sûr, apprendre tous les éléments du jeu d’acteur est difficile et tout le monde ne peut pas le maîtriser. Faina Ranevskaya a dit un jour:

Je reçois des lettres – «Aide à devenir acteur». Je réponds: «Dieu aidera!»

Vous ne devriez probablement pas non plus compter sur un seul Dieu. Il est important de vouloir et de travailler dur, et ceux qui essaient vraiment ont de la chance et des pouvoirs supérieurs.

Voulez-vous tester vos connaissances?

Si vous souhaitez tester vos connaissances théoriques sur le sujet du cours et comprendre comment cela vous convient, vous pouvez passer notre test. Dans chaque question, une seule option peut être correcte. Une fois que vous avez sélectionné l’une des options, le système passe automatiquement à la question suivante.

Formation et cours de théâtre

Afin de maîtriser les qualités et techniques décrites ci-dessus qui composent l’art du jeu d’acteur, nous vous avons préparé une série de leçons.

Leçon 1. Le système de Stanislavsky. Il est généralement admis que le système de Konstantin Sergeevich Stanislavsky est le système principal pour préparer les acteurs à jouer un rôle. Cette leçon est un bref résumé du jeu d’acteur, à partir duquel vous apprendrez les éléments de base du système Stanislavsky, les principes sur lesquels il est basé, comment un acteur doit travailler à la fois sur lui-même et sur le rôle afin d’atteindre les sommets compétences scéniques. Vous serez également en mesure de comprendre en quoi la psychotechnique de Stanislavsky diffère de la biomécanique de Meyerhold, et s’il est possible de combiner les techniques des deux systèmes dans votre travail d’acteur.

Leçon 2. Qualités professionnelles d’un acteur. Cette leçon ouvre la direction du «travail sur soi» et est consacrée aux qualités professionnelles que tout bon acteur devrait avoir. Ces qualités sont sélectionnées en tenant compte des principes des principales écoles de théâtre de Stanislavsky, Meyerhold, Chekhov et incluent l’attention scénique, la mémoire émotionnelle, l’oratoire, la pensée créative, la plasticité. Bien sûr, dans le cadre d’une leçon, il est impossible de dire comment développer ces qualités en soi-même, c’est pourquoi nous n’avons préparé qu’une description des directions de développement et fourni des liens vers des articles utiles, des livres, des leçons, ainsi que notre formations.

Leçon 3. La gestion des émotions est le métier d’un acteur. La deuxième leçon sur le travail de l’acteur sur lui-même est consacrée à la capacité de montrer la bonne émotion «ici et maintenant». Dans cette leçon, vous apprendrez comment se déroulent les processus émotionnels d’une personne et quelles émotions de base existent (joie, intérêt, colère, peur et autres). Pour chaque émotion, des recommandations et des exercices sont sélectionnés pour aider à entraîner les expressions faciales, les gestes, la posture et d’autres éléments représentatifs qui aident à exprimer cette émotion. De plus, vous apprendrez la technique d’ancrage, à l’aide de laquelle vous pourrez reproduire rapidement l’état émotionnel nécessaire au bon moment.

Leçon 4. L’art de l’expérience et l’art de la présentation. L’art de vivre est la capacité de s’habituer au rôle, de comprendre le personnage, les pensées, les émotions de votre héros. Stanislavsky considérait l’art d’expérimenter comme l’un des principaux attributs du jeu véridique, qui permet à l’acteur de vivre des expériences authentiques dans le processus de jeu, ce qui donne lieu à la vie de l’image sur la scène. La naissance du texte et des actions «ici et maintenant» n’est impossible que par l’artisanat et les répétitions. Vous devez vous habituer au rôle, vous devez penser et vous sentir comme un personnage, en croyant pendant un moment que l’acteur est le personnage lui-même. Dans cette leçon, vous apprendrez quels exercices et techniques peuvent être utilisés pour développer l’art de vivre pour compléter votre arsenal d’acteur.

Leçon 5. Discours sur scène. En plus des autres qualités d’un acteur, le discours sur scène est une compétence très utile et demandée, qui est consacrée à une leçon distincte de notre formation. Dans cette leçon, vous apprendrez ce qu’est le discours scénique, ses caractéristiques et comment entraîner votre discours scénique par vous-même.

Comment suivre des cours

Naturellement, il est impossible de maîtriser pleinement l’art d’agir seul à la maison en ne passant que des cours en ligne. La sélection de cours sur notre site Web a été préparée, d’une part, pour une connaissance générale des bases de l’art de la réincarnation, et d’autre part, pour que vous puissiez essayer quelques exercices et techniques d’acteur. Une telle approbation vous permettra de comprendre à quel point il vous est facile d’acquérir des compétences de scène, si le métier d’acteur vous intéresse et même à quel point vous connaissez votre monde intérieur. Les leçons publiées sur notre site Web sont destinées aux enfants, adolescents et adultes et, en fait, sont des cours de théâtre gratuits qui peuvent être suivis en ligne.

Vous pouvez choisir vous-même l’heure et le mode d’entraînement. Bien sûr, il est important de comprendre que plus vous travaillez de plus en plus souvent sur vous-même et sur vos rôles, plus vous apprendrez, plus vous serez et mieux en réincarnation.

Il est également important que vous trouviez une personne qui vous aidera, vous évaluera de l’extérieur. Cela peut être soit un enseignant professionnel, soit simplement votre ami et une personne aux vues similaires. En dernier recours, vous pouvez utiliser un miroir ou une caméra vidéo pour vous voir de côté et faire des ajustements par vous-même.

Agir commence par une volonté créative

La volonté créative d’une personne est une puissante impulsion pour le développement d’un acteur. Comme en géométrie il y a des axiomes – des points de départ – et des théorèmes prouvés à l’aide d’axiomes, donc en agissant il y a un point de départ, le besoin d’appliquer qui doit être pris sur la foi. Ce point est la volonté créative.

L’élément suivant, étroitement lié par nature à la volonté créatrice, est l’attention scénique.

La scène est le test le plus sérieux pour quiconque. Il est très difficile de garder votre attention sur autre chose que le public. Avec l’aide de la volonté créative, il est nécessaire de s’habituer pour pouvoir contrôler son attention. La concentration est la concentration complète des pensées et des actions d’une personne sur un objet interne ou externe spécifique. L’enseignement de la comédie implique un entraînement constant de l’attention à travers des exercices spéciaux visant à développer cette compétence. Un ajout important à ce thème sera le fait que l’attention et la passion sont aussi étroitement liées que la volonté créative et l’attention. Et la passion est ce qui permet à l’artiste de «diriger» le public.

L’élément suivant du «système» est l’imagination

L’imagination est un puissant stimulant de l’énergie créatrice humaine. Nous n’aurions pas eu une caractéristique psychologique telle que la capacité d’imaginer, dans l’histoire de l’humanité il n’y aurait pas eu une seule découverte scientifique, pas une seule œuvre d’art, et pas un seul voyage audacieux. Notre capacité à imaginer quelque chose qui dépasse l’ordinaire nous distingue des animaux, et le jeu est inaccessible si l’acteur n’entraîne pas son imagination.

Curieusement, ces trois éléments dans le processus de travail quotidien des acteurs professionnels y consacrent le moins de temps. Pendant ce temps, ce sont les «trois piliers» sans lesquels il est insensé de parler de la tâche et de la tâche primordiale, des évaluations et de l’action de bout en bout, des implications et de la perspective du rôle. le professionnalisme dans le domaine du jeu d’acteur s’acquiert tout au long de la vie, à travers une formation et une analyse quotidiennes.

Tout comme un danseur ou un athlète de ballet doit suivre un programme d’entraînement spécifique chaque jour pour pouvoir fonctionner pleinement, un acteur doit entraîner sa volonté créative, son attention et son imagination chaque jour.

Tout ce qui est écrit ci-dessus est plus destiné aux professionnels du théâtre qu’aux personnes d’autres professions.

En même temps, agir pour les adultes peut être une source utile de nouvelles connaissances. Le théâtre à Moscou est enseigné dans une variété de cours, adaptés aux besoins d’un large éventail de participants. Si vous avez besoin d’améliorer vos compétences en communication, alors, bien sûr, la technologie du théâtre vaut la peine de consacrer du temps de votre vie à l’apprentissage. Cependant, dans ce cas, nous vous conseillons de choisir les cours avec soin. Tout d’abord, vous devez comprendre pourquoi vous avez besoin (et si vous en avez besoin) d’une formation à la comédie.

Notre projet se concentre sur l’application des techniques d’acteur dans les affaires et dans la vie de tous les jours. Dans le même temps, nous sélectionnons avec soin les sujets pour lesquels les technologies d’acteurs peuvent vraiment aider à obtenir des résultats sérieux. Ce sont avant tout des processus métiers dans lesquels la communication interpersonnelle joue le rôle principal.

Négociations, présentations, ventes, prise de parole en public – c’est la gamme des applications des technologies d’acteur dans lesquelles ces compétences sont vraiment utiles. Et si vous souhaitez apprendre à utiliser la technique du jeu d’acteur dans les affaires ou la vie quotidienne, vous devez étudier attentivement les programmes des cours que vous allez suivre. Nous espérons que cet article vous aidera à choisir une option de formation appropriée.

Qu’est-ce qui peut entraver la maîtrise d’une compétence?

Il y a des facteurs particulièrement néfastes qui sont carrément mauvais pour la carrière d’un acteur. Voici les principaux.

L’amour de soi. Il y a des propriétés utiles de l’amour-propre qui poussent une personne à s’améliorer et à aller de l’avant. Et quand un acteur se délecte d’être sur scène, pense à sa beauté de l’extérieur, c’est déjà du narcissisme. C’est de lui qu’il faut refuser, car sur scène il faut vivre la vie de son héros.
Distraction. L’acteur doit saisir chaque mot du scénario, chaque mouvement de son partenaire dans le jeu. Et sans concentration, il est difficile d’obtenir des résultats dans n’importe quel domaine d’activité. L’interprète du rôle ne peut pas être distrait par des bruissements étrangers et écouter le mentor de manière inattendue – tout cela menace l’illogisme et le manque de fiabilité de l’image du héros.
Déficiences de la parole. Ce n’est pas nécessairement des bavures ou du bégaiement, bien que cela soit également important. La tâche est différente: trouver dans votre propre discours les défauts qui vous empêchent d’exprimer vos pensées clairement et simplement. Toute personne a des lacunes, par exemple, elle met mal l’accent sur certains mots, elle ne peut pas prononcer de définitions complexes.

Pour remédier aux défauts et valoriser les éléments positifs de la maîtrise, il existe quelques exercices. Ils s’adressent aux deux groupes d’éléments et seront utiles non seulement dans le métier d’acteur, mais aussi dans la vie de tous les jours.

Observation (journal créatif)

Observez les gens autour de vous, leur comportement et leurs manières. Cela développe immédiatement l’attention et aide à s’habituer à différentes images. Vous pouvez enregistrer vos découvertes dans un journal spécial.

“Réfléchir”

Un peu lié au précédent. Dans les endroits où les gens se rassemblent, vous devez choisir une personne pour vous-même et «inventer» sa vie. Dans la démarche, le style et la manière d’imaginer son passé, où il va et ce à quoi il pense. Développe l’imagination créative.

Voix intérieure

Prenez un petit poème et lisez-le à vous-même, en mémorisant l’intonation de votre voix intérieure. C’est votre idée de la façon dont le verset doit sonner. Ensuite, lisez-le à haute voix, enregistrez-le sur l’enregistreur. Cela ressemble-t-il à ce que vous avez entendu à l’intérieur de vous-même?

Développement des plastiques

Imaginez un animal et caressez-le. Nourrissez, ramassez. Il devrait être clair d’après les mouvements des mains de qui il s’agit – un chat ou un petit hamster, ou peut-être un long serpent.

Coordination des mouvements

Tapotez-vous la tête d’une main, tapotez-vous le ventre de l’autre. Vous devez le faire en même temps et ne pas vous perdre. Changez de main périodiquement.

Étendez deux bras devant vous, tournez l’un dans le sens des aiguilles d’une montre, l’autre dans le sens inverse des aiguilles d’une montre. Essayez de ne pas vous perdre. Changez également de mains périodiquement.

Konstantin Stanislavsky. “Le travail d’un acteur sur lui-même”

«En effet, quand un véritable artiste prononce le monologue de Hamlet« Être ou ne pas être », ne fait-il que rapporter formellement les pensées de l’auteur aux autres et effectuer les actions extérieures qui lui sont indiquées par le réalisateur? Non, il donne beaucoup plus et met en mots le rôle de lui-même: ses propres idées sur la vie, son âme, son sentiment de vivre et sa volonté. À ces moments-là, l’artiste est sincèrement ému par les souvenirs de sa propre vie vécue, semblable à la vie, aux pensées et aux sentiments du rôle. “

Le célèbre travail de Konstantin Sergeevich Stanislavsky, qui contient une description cohérente de son système légendaire, et révèle également le sens et le sens pratique de ses méthodes. Le livre volumineux se compose de deux parties: dans la première, le réalisateur discute du processus créatif de l’artiste expérimentant le personnage du héros, sa super tâche; la seconde porte sur le processus créatif d’incarnation du personnage, de la plasticité et de la parole de son héros, sur le bien-être scénique de l’acteur, ainsi que sur du matériel et des exercices supplémentaires. Cette œuvre légendaire est l’ouvrage de référence de tout acteur professionnel.

Konstantin Stanislavsky. “Éthique”

«L’arrivée tardive d’une seule personne prête à confusion. Si tout le monde est en retard, le temps de travail ne sera pas consacré aux affaires, mais à l’attente. Cela exaspère et conduit à un mauvais état dans lequel vous ne pouvez pas travailler. Si, au contraire, chacun assume correctement ses responsabilités collectives et vient à la répétition préparé, alors une atmosphère merveilleuse est créée qui stimule et revigore. “

Un autre livre du maître est un petit manuel de formation pour les acteurs, écrit au début du siècle dernier et toujours d’actualité. Il aborde le sujet le plus important – l’éthique du jeu d’acteur: le comportement d’un artiste dans des situations de vie difficiles, les relations avec les collègues, l’attitude envers la profession et l’art et d’autres questions importantes que tout artiste professionnel doit connaître. Stanislavsky lui-même a parlé de son travail de la manière suivante: «Le soir, je suis resté à la maison et j’ai écrit, semble-t-il, pas mal, un chapitre sur l’éthique. Hier, lundi, à la répétition du matin, je l’ai lu aux comédiens. Il semble qu’ils sont attentionnés et que la répétition a été bonne. “

Mikhail Chekhov. “Secrets d’agir”

«Pourquoi le soi-disant système Stanislavsky a-t-il un pouvoir aussi convaincant? Parce qu’il offre au jeune acteur l’espoir de maîtriser les forces fondamentales de sa nature créative. Les acteurs qui ne connaissent pas les lois de la forme et du style essaient d’utiliser des formes anciennes et obsolètes. Empruntant du matériel inadapté à l’arsenal théâtral sous couvert de passions scéniques, ils le qualifient de tempérament. L’acteur commence à aimer la pose théâtrale habituelle, il la prend pour une détente théâtrale. Comme ce relâchement est destructeur pour lui! Cela conduit au libertinage non seulement sur scène, mais aussi dans la vie. “

Mémoires du grand acteur dramatique russe Mikhail Aleksandrovich Chekhov, élève de Stanislavsky, qui, après avoir émigré aux États-Unis, a fondé sa propre école de théâtre, où Marilyn Monroe, Clint Eastwood et d’autres stars hollywoodiennes ont étudié. Dans le livre, Mikhail Chekhov partage son expérience, révèle les secrets du jeu d’acteur, réfléchit sur le système Stanislavsky et rappelle les grandes personnes qui ont influencé sa vie. Cette publication contient plusieurs documents biographiques: «La voie de l’acteur», «La vie et les rencontres», «Les souvenirs de Rachmaninov», «Sur le système Stanislavsky», «Sur la technique de l’acteur», «Conversations, notes».

Nikolay Demidov. “Patrimoine créatif”

«L’une des plus grandes lacunes d’un acteur est la méfiance de soi. Méfie-toi que ma petite, de tous les jours, modeste est bonne, qu’elle est bonne. Une scène est une scène. Des centaines et même des milliers d’yeux me regardent – est-ce vraiment intéressant pour eux que je fasse quelque chose de mal et indistinctement ici devant eux sur scène? Et encore plus si je ne fais rien? Par conséquent, l’acteur se raffine, essaie, se fouette, se dépêche. Et il s’est dépêché – il a “sauté” sur sa vérité, sur sa vie – et est tombé dans un mensonge, dans des singeries. Pour corriger cela, il est nécessaire de développer la foi en soi dans les étudiants par tous les moyens. “

Une série de livres sur les compétences scéniques du grand metteur en scène et professeur de théâtre russe Nikolai Vasilyevich Demidov. La collection d’œuvres se compose de cinq livres, dont trois Demidov a réussi à terminer avant sa mort (“L’art de l’acteur dans son présent et son avenir”, “Types d’acteur”, “L’art de vivre sur scène”), le deux autres ont été compilés à partir de notes et de croquis de chapitres individuels … Il se trouve que la méthode de Demidov, décrite dans ses manuscrits, a été rejetée par les adhérents du «système Stanislavsky» et a été ostracisée, de sorte que les livres ont été publiés après la mort de Nikolai Vasilyevich. Jusqu’à présent, sa méthodologie innovante dans l’enseignement des acteurs trouve ses adeptes.

Ivana Chubbuck. “Maîtrise du jeu: la technique du Chubbuck”

«Un acteur, principalement occupé par ses propres expériences, tourne son énergie vers l’intérieur et n’est pas en mesure de s’en inspirer ou de s’en charger lui-même ou le public. En même temps, une personne qui fait tout pour surmonter sa douleur et atteindre son objectif fait que le public regarde avec impatience, car son comportement est vivant et imprévisible. Toute décision créative comporte des risques et, par conséquent, un chemin vers l’inconnu. Il ne suffit pas qu’un acteur soit honnête. Le travail d’un acteur est de faire périodiquement certains choix qui mènent à des résultats étonnants. Vous pouvez peindre la toile avec des peintures à l’huile, mais si le résultat n’est pas une peinture étonnante, personne ne veut la regarder. “

Un guide du jeu d’acteur par une célèbre enseignante américaine, parmi ses élèves, Brad Pitt, Halle Berry, Jim Carrey, Eva Mendes et d’autres stars d’Hollywood. Sur la base de la méthode Stanislavsky et de nombreuses autres écoles classiques, Chubbuck a formé sa propre technique, qui vous permet d’apprendre à saisir l’image et de donner l’évaluation souhaitée en quelques étapes. Le livre contient de nombreuses recettes pour créer les émotions d’acteur nécessaires, ce qui est littéralement reflété dans le titre des chapitres: «Vivre la grossesse (d’un point de vue masculin et féminin)», «Sensations organiques de la mort et de la mort», «Donner émotionnel crédibilité aux cicatrices et aux ecchymoses “, etc. d.

Déterminer les qualités qu’un acteur devrait avoir

Les qualités d’un acteur sont les caractéristiques personnelles d’une personne, qui, ensemble, offrent la possibilité de jouer avec succès divers rôles.

Contrairement aux compétences spécifiques, par exemple, la capacité de rire à l’heure ou de montrer la surprise, les qualités professionnelles combinent tout un éventail de compétences et de capacités, ce qui rend impossible de considérer chaque qualité en détail dans une leçon. Par conséquent, cette leçon décrira les caractéristiques générales des qualités et des compétences qu’un bon acteur devrait posséder. De plus, l’artiste de la scène doit non seulement avoir un certain ensemble de caractéristiques personnelles et professionnelles, mais aussi constamment travailler quotidiennement sur lui-même, en améliorant ses compétences. Par conséquent, pour chaque qualité, des recommandations et des exercices pour sa formation et son développement sont donnés. Ils seront considérés conformément à la structure proposée par Stanislavsky, ses disciples et étudiants:

Le premier groupe «Les qualités de tout bon acteur» sont les compétences nécessaires à toute personne pour appliquer le jeu d’acteur dans la vie, qu’elle envisage de les utiliser pour jouer au théâtre ou pour filmer un film, ou qu’elle veuille simplement paraître crédible expliquant son retard d’une heure au travail. Par rapport à ces caractéristiques, vous pouvez appliquer en toute sécurité le cliché «minimum nécessaire» – c’est ce que chacun devrait savoir et être capable de faire.

Le deuxième groupe «Qualités professionnelles» est davantage requis par les professionnels, ceux pour qui agir est un métier. Ces qualités sont associées au travail sur scène, à l’interaction avec les acteurs, les spectateurs et de nombreuses autres composantes importantes du jeu d’acteur.

Qualités de tout bon acteur

Une attention développée

N’importe qui fait mieux son travail s’il n’est distrait par rien, et son attention est concentrée uniquement sur le sujet de la leçon en cours. Les acteurs ne font pas exception, pour qui la vie sur scène est impossible sans la capacité d’observer, la capacité de changer et de concentrer l’attention dans l’environnement de la scène.

À cet égard, l’un des fondements de la technique interne de l’acteur est l’attention scénique – l’orientation sélective de la perception pendant la performance. Beaucoup de nos lecteurs qui connaissent les outils de développement de la pleine conscience remarqueront probablement qu’à un certain niveau d’entraînement, la capacité à se concentrer devient arbitraire. C’est vrai, mais dans le cas de l’art du théâtre, tout est beaucoup plus compliqué qu’il n’y paraît à première vue. Le fait est que dans la vie de tous les jours, notre attention est portée par des réflexes inconditionnés, c’est-à-dire instinctivement. Lors d’une conversation, nous ne pensons jamais à la façon de se tenir debout ou de s’asseoir, comment contrôler la voix, etc. Mais pour un artiste, cela compte, car dans un environnement scénique réel, il doit prêter attention à tous les aspects du jeu – parole, gestes, expressions faciales, posture, prompteur,

Les recommandations suivantes aideront un acteur à réussir à développer cette qualité:

N’essayez pas de garder trop de détails à l’esprit. Cela conduit à ce que l’on appelle des pinces agissantes: des actions involontaires sur scène qui trahissent votre insécurité. N’oubliez pas que la règle des 7 plus ou moins 2 fonctionne pour l’attention de tous.
L’attention et la mémoire à court terme sont des compétences qui peuvent être manipulées à dessein en utilisant, par exemple, des techniques de jeu. Pour ce faire, lisez la leçon spéciale “Attention et mémoire” sur notre site Web.
L’attention dépend beaucoup de l’état mental et physique actuel d’une personne, par exemple de la durée de son sommeil, de son inquiétude quant à ses problèmes personnels aujourd’hui. Essayez toujours de jouer de bonne humeur. Pour cela, vous pouvez utiliser le yoga et la méditation.

KS Stanislavsky pensait également que le processus d’amélioration de la compétence devait être constant: «En observant la vie, l’artiste devrait regarder autour de lui non pas comme un homme distrait dans la rue et non comme un statisticien froid qui n’a besoin que de l’exactitude réelle et numérique de les informations collectées. L’artiste a besoin de pénétrer dans l’essence de l’observé, d’étudier attentivement les circonstances et les actions des personnes proposées par la vie, de comprendre la composition de l’âme, le caractère de celui qui accomplit ces actions. ” De plus, un ensemble d’exercices spéciaux a été créé pour enseigner l’attention de la scène:

Exercice 1. Prenez une photo inconnue, regardez-la attentivement pendant 5 secondes, puis essayez de vous souvenir de tous les détails. À l’avenir, prenez de grandes toiles aux motifs complexes.

Exercice 2. Prenez un crayon dans chaque main et commencez à dessiner en même temps: avec la droite – un cercle, avec la gauche – un triangle. Il est important de finir les deux formes en même temps. Vous pouvez également écrire différents chiffres ou lettres.

Compétences oratoires

“Nous détestons la théâtralité au théâtre, mais nous aimons le théâtre sur scène … la voix doit chanter dans la conversation et dans la poésie, sonner comme un violon et ne pas frapper des mots comme des pois sur un tableau”, a écrit KS Stanislavsky. La capacité de parler devant le public, de prononcer des discours qui sont depuis longtemps devenus un modèle de rhétorique (et il y en a beaucoup dans le théâtre) est une qualité importante non seulement pour les personnalités publiques ou les professeurs d’université. Un seul et même discours peut être prononcé pour que tout le monde s’endorme, ou vice versa, ils saisissent chaque mot. Tout dépend de l’orateur, il est donc important que chaque acteur novice développe son discours sur scène.

Le discours de scène est un moyen professionnel d’expressivité d’un acteur et d’incarnation théâtrale d’une œuvre dramatique.

La possession de cette qualité est également importante du point de vue de la rhétorique – comme la capacité d’improvisation de la parole. Par l’habileté de parler, l’acteur transmet au spectateur le monde intérieur, les traits de caractère sociaux, psychologiques, nationaux et quotidiens du personnage.

L’un des fondements de la technique de la parole est le sens du tempo-rythme, découvert et décrit par KS Stanislavsky. Il a remarqué le lien entre lui et les sentiments: «J’ai accéléré le rythme – j’ai pris moins de temps pour l’action, pour parler, et je me suis donc forcé à agir et à parler plus vite. Ralentissement du rythme – libéré plus de temps pour l’action et la parole … “. Ainsi, en changeant le tempo et le rythme, l’acteur change également la gamme de ses sentiments vécus sur le moment.

Cette découverte est d’une grande importance pour le théâtre, car elle permet, lors de la production, par un changement du tempo-rythme de l’acteur, de maîtriser non seulement ses sentiments, mais aussi le développement de l’action scénique dans son ensemble, de influencer sa douceur ou, au contraire, son caractère orageux. Pour en savoir plus, consultez le livre Actor’s Work on Oneself.

Vous devez également faire attention au développement de votre voix, à son son. Pour ce faire, vous devez effectuer une série d’exercices de réglage de la respiration, de l’articulation, de la tonalité, de la diction. En voici quelques-uns:

Exercice 1. Développement de la respiration. Position de départ: debout, les bras de l’épaule au coude en position horizontale (parallèle au sol). Vers le bas du coude (avant-bras et mains) – pendre verticalement. Inspirez par le ventre, tout en expirant nous prononçons le son «p» et faisons un mouvement circulaire avec les avant-bras et les mains, l’épaule reste fixe. À l’expiration suivante, nous faisons 2 tours de cercle, puis 3, et ainsi de suite jusqu’à 6. Ensuite, nous réduisons la vitesse de 6 à 1.

Exercice 2. Diction. Essayez de reproduire le son du martelage d’un clou dans un mur, d’un cheval piétinant l’asphalte ou de l’abaissement de la corde de l’arc. Vous ne devriez pas obtenir un “tsok” banal, mais quelque chose de similaire à “svsy”, “tztsu”, “vzsi”, en d’autres termes – démembrez l’action en sons que vous entendez.

L’imagination et la capacité de penser de manière créative

L’imagination et la créativité développées sont les qualités dont chaque acteur a besoin pour pouvoir «s’habituer» au rôle, «justifier» le personnage avec les circonstances proposées et jouer un rôle à partir du texte. C’est beaucoup plus compliqué que dans le cas de la vérité de la vie, qui existe par elle-même et sur laquelle une personne ne s’interroge jamais. A. N. Tortsov a écrit: «Mais quand cette réalité n’est pas sur scène, et qu’il y a un jeu, alors la création de la vérité et de la foi nécessite une préparation préalable. Cela réside dans le fait que la vérité et la foi surgissent d’abord dans le plan d’une vie imaginaire, dans la fiction, puis elles sont transférées sur la scène. ” En d’autres termes, sans une forte imagination, un acteur ne pourra jamais atteindre un sens de la vérité.

Le sens de la vérité est la capacité de ressentir la plausibilité (réalisme) de l’action entreprise. Il est principalement associé à une compréhension des principes des actions humaines, de la logique et des motivations des actions du héros joué. Deuxièmement, c’est la capacité de l’acteur à faire la distinction entre les émotions naturelles et le comportement des émotions non naturelles, et non seulement les étrangers, mais aussi les leurs. Le développement d’un sens de la vérité est entravé par des «pinces physiques» – des états qui ternissent le réalisme et le naturel (désir de se démarquer, raideur, maîtrise de soi). Pour s’en débarrasser, K.S. Stanislavsky a recommandé en 2 étapes:

Développer la vérité d’actions physiques simples. Dans la vie, nous versons de l’eau bouillante sur du thé, remuons du sucre, buvons sans penser à la nature de ces actions, en les exécutant automatiquement. Les actions physiques les plus simples sont compréhensibles et proches de tout le monde, il vaut donc la peine de commencer par leur entraînement dans l’environnement de la scène, en allant progressivement vers la véracité des émotions.
Développement de la logique et de la cohérence. Les actions physiques sont instinctives, mais au théâtre, les événements sont fictifs et se déroulent, par exemple, quelques siècles avant notre époque, à propos desquels les instincts quotidiens échouent. Par conséquent, les acteurs doivent subordonner leurs actions à la logique et à la séquence, en les exécutant comme dans la vie, car sans cela, le sens de la foi ne peut pas être développé.

Comme mentionné ci-dessus, l’imagination et la fantaisie jouent un rôle important en fournissant un sens de la vérité – des qualités qui permettent à un acteur d’expliquer et de justifier les actions de son personnage. La sincérité du rôle, des expériences et des émotions est obtenue non seulement grâce à la réponse émotionnelle, mais aussi à la capacité de croire aux actions du héros, de prendre sa place afin de comprendre leur nature. Sans cela, il n’y a pas de bon jeu véridique.

Mémoire émotionnelle

La mémoire est importante pour un acteur non seulement du point de vue de sa capacité à se souvenir et à reproduire un texte (bien que cela, sans exagération, soit très important). Il a déjà été noté à plusieurs reprises ci-dessus qu’un attribut intégral d’un bon jeu est la capacité de transmettre les émotions du héros, à travers lesquelles son monde intérieur est révélé et, par conséquent, la pièce acquiert une complétude artistique. Par conséquent, un acteur novice doit prêter attention non seulement au développement de la mémoire afin de mémoriser de grands volumes d’informations textuelles, mais également à apprendre à mémoriser et à recréer les émotions et les sentiments.

Pour ce faire, vous devez entraîner votre mémoire émotionnelle – la capacité de mémoriser, de préserver et de reproduire des phénomènes colorés émotionnellement, la mémoire des sentiments. Les sentiments ressentis et stockés dans la mémoire lors de la représentation (reproduction) agissent comme des signaux qui affectent nos expressions faciales, nos gestes, notre parole et d’autres éléments de comportement.

Ce type de mémoire est très important dans la formation de la personnalité de toute personne, et plus encore d’un acteur. Le fait est que la nature de ses expériences est telle que pendant le jeu, on ne peut pas vivre avec les mêmes sentiments et émotions que dans la vraie vie. Les émotions de la vie et de la scène diffèrent par leurs origines. L’action scénique ne survient pas, comme dans la vie, à la suite d’un stimulus réel (non artificiel). Tout sentiment ne peut être rappelé que parce qu’il nous est familier par expérience. C’est ce qu’on appelle la mémoire émotionnelle. Les expériences de la vie réelle sont primordiales et les expériences émotionnelles évoquées sur scène sont la reproduction de sentiments secondaires à la mémoire de l’acteur.

Recommandations pour le développement de la mémoire émotionnelle:

Élargissez vos horizons émotionnels. Stanislavsky a exigé que ses élèves soient impressionnables, essayent d’obtenir autant d’impressions de la vie que possible et prennent soin d’eux-mêmes dans les moments les plus vifs et pleins de sentiments.
Être observateur. En plus de vos propres émotions, faites également attention aux autres, en observant différentes personnes et en identifiant les détails caractéristiques des différentes émotions.
Entraînez votre mémoire. La possibilité d’utiliser des techniques de mémorisation spéciales, les mnémoniques sont abordées dans une formation séparée sur notre site Internet dédiée au développement de la mémoire.
Apprenez à reproduire les émotions en utilisant des techniques spéciales qui vous permettent de vous rafraîchir rapidement la mémoire des sentiments désirés. Il s’agit notamment des ancres (ou leurres): stimulateurs externes ou internes de la réponse de l’acteur. Par exemple, la plupart d’entre nous peuvent facilement se rappeler le sentiment de tomber amoureux si nous nous souvenons de notre premier amour. Mais les émotions peuvent être stimulées non seulement par la mémoire, mais aussi par un objet réel, un son ou même une odeur. Apprenez-en davantage sur les principes de la reproduction des émotions dans la prochaine leçon sur le jeu d’acteur.

Liberté de scène

Ils disent qu’un épéiste habile peut toujours être identifié par la façon dont il se déplace: ses gestes sont fluides, mais assez habiles, la confiance est vue à chaque pas, comme dans tout mouvement – calcul froid. Cette vision est peut-être un peu romancée, mais reflète l’essence générale – les personnes de différentes professions se déplacent de différentes manières. Les acteurs ne font pas exception: les postures, les gestes, voire la marche banale, doivent se distinguer par la liberté.

La liberté est comprise comme le comportement naturel d’un acteur sur scène lorsqu’il n’agit pas mais vit. Il est acquis dans le processus de développement d’une telle composante de la technique d’acteur comme le mouvement scénique. Tant dans le système de Stanislavsky que dans ses disciples, en particulier V.E. Meyerhold, le mouvement s’est vu attribuer la place des principaux moyens de la technique externe de l’acteur. Dans le même temps, ils ont fait valoir qu’il n’y avait pas de méthodes spéciales pour enseigner aux nouveaux arrivants l’art de bouger correctement: “Vous ne pouvez pas enseigner l’application créative du mouvement, mais vous ne pouvez éduquer l’appareil neuro-physique que dans une direction qui est particulièrement bénéfique. pour le travail sur scène. “

À cet égard, l’acteur doit développer des qualités telles que la plasticité et le contrôle de la tension musculaire. Plastique – la beauté du mouvement, la grâce, l’expressivité de l’artiste – l’aspect extérieur du mouvement exécuté. Le contrôle du stress permet à l’acteur d’exécuter correctement des mouvements – pas mécaniquement, mais pas trop exagérés ou négligents. Étant donné que le manque de mouvement est devenu un phénomène courant chez les gens modernes, l’acteur doit accorder une attention particulière à sa condition physique. Voici quelques exercices:

Exercice 1. Apprenez à danser. La danse est une matière classique de l’enseignement théâtral. Rien ne développe mieux le plastique que la valse ou la polka.

Exercice 2. Poupée marionnette. Imaginez que vous êtes une marionnette accrochée à un crochet dans le vestiaire après le spectacle. Essayez de représenter la pose aussi près que possible de la position de la poupée. Imaginez maintenant que vous êtes “pendu” par le cou, puis par le bras, l’épaule et même l’oreille – le corps est fixé en un point, tout le reste est détendu. Faire cet exercice plusieurs fois par jour aidera à développer les plastiques corporels et à libérer les pinces musculaires.

Exercice 3. Tenez-vous debout sur une jambe aussi longtemps que vous le pouvez. Se concentrer sur un objet imaginaire permet généralement de prolonger ce temps. Vous pouvez, par exemple, parcourir mentalement le trajet quotidien de la maison au travail ou au magasin. En cas de charge excessive, les muscles se détendront après un certain temps et la tension musculaire après le retour à la normale disparaîtra

Qui est un acteur?

L’acteur est un interprète professionnel de divers rôles dans le théâtre, le cinéma, le cirque, le ballet, les publicités, etc. Parfois, les mots «acteur» et «artiste» sont considérés comme équivalents, bien que jouer soit un concept plus large, il suffit généralement que les artistes n’atteignent la maîtrise que dans une spécialisation étroite, par exemple le chant ou la pantomime. Certes, beaucoup ont pensé à la carrière d’acteur, mais seuls quelques-uns ont choisi ce métier difficile.

Quelles qualités et compétences un acteur devrait-il avoir?

Pour devenir acteur, il faut avoir de nombreuses qualités professionnelles, par exemple un sens du tempo, du rythme, une bonne articulation, un sens artistique, une bonne mémoire, un penchant pour la créativité, etc. Un acteur professionnel doit avoir développé les compétences du travail en équipe et individuel, la responsabilité, ainsi que la capacité d’accomplir la tâche définie par le réalisateur.

Carrière

Habituellement, après l’obtention de leur diplôme, les acteurs en herbe vont travailler dans les théâtres. Habituellement, le salaire y est très faible et, en général, le revenu dépend du prestige du théâtre et de l’emploi de l’acteur dans les spectacles au cours du mois.
En outre, les acteurs professionnels peuvent jouer dans des films, des émissions de télévision et des publicités, mais ce travail est inconstant, donc le revenu est relatif. Le paiement d’une journée de tournage varie de 500 à 100 000 roubles par jour, en fonction de la renommée de l’acteur et du budget du projet auquel l’acteur participe.

Les côtés négatifs de la profession d’acteur

Le métier d’acteur est complexe et responsable. Le futur acteur doit être prêt à réaliser des acrobaties acrobatiques sur scène et au cinéma, d’éventuelles blessures, un fort stress psychologique, un travail de longue haleine sans repos lors des répétitions et du tournage, et même aux conditions de travail sur le terrain lors du tournage sur place.

Où trouver un métier?

En Russie, il existe un certain nombre d’établissements d’enseignement supérieur et secondaire spécialisés qui enseignent le théâtre. La plupart d’entre eux ont une sélection stricte et une grande compétition. En plus des examens habituels, le candidat devra passer un test de création – une audition, au cours de laquelle l’aptitude professionnelle du futur acteur est révélée. Mais en plus des universités théâtrales, il existe de nombreux studios et cours différents où vous pouvez commencer votre voyage dans la profession d’acteur.

Description de la profession

Un acteur (artiste) est un interprète professionnel de rôles dans le théâtre, l’opéra, le cinéma, le ballet. Le métier est basé sur l’art de se réincarner d’une image à une autre et ainsi d’influencer le spectateur – pour évoquer en lui des sentiments et des émotions, pour le pousser à réfléchir.
Un acteur est un spécialiste créatif polyvalent qui peut chanter, danser et même être expressivement silencieux sur scène. Les acteurs eux-mêmes apprécient la profession pour le fait qu’ils peuvent changer de rôle et vivre de nombreuses vies. Aujourd’hui, il deviendra chevalier, demain il se déguisera en femme, et samedi matin, il jouera un lapin ou un tapis volant

Avantages et inconvénients de la profession

Aspects positifs de la profession:
+ Travail créatif intéressant
+ Popularité et amour du public
+ La capacité de voyager
+ Environnement créatif
+ Et même l’opportunité d’entrer une fois dans l’histoire

Mais dans la profession d’acteur, on peut aussi nommer les côtés négatifs:
– heures de travail irréguliers
– revenus Unstable
– Tours etvie danshôtels, pas toujours dansconditions confortables
– Pour les danseurs de ballet et de cirque, il y a une forte probabilité de blessure

Quelles qualités devraient avoir (qualités personnelles)

L’acteur est un métier plus adapté aux extravertis. L’acteur ressent l’attention des fans non seulement sur scène, mais aussi dans sa vie personnelle. Si vous n’êtes pas prêt à interagir avec un grand nombre de personnes sur le plateau, une communication constante avec les journalistes, travailler en tant qu’acteur peut être psychologiquement difficile.
la capacité de converger facilement avec les gens et la créativité, l’ acteur a besoin de: la capacité de parler en public (ne pas avoir peur de la scène; la
capacité de travailler en équipe; une
excellente mémoire; un
travail
acharné; l’endurance et la forme physique; la
confiance en soi; l’
énergie)

Où étudier

Les universités et collèges de théâtre forment les futurs acteurs. Là, ils apprennent le théâtre, le mouvement et la parole, l’acrobatie, le chant, la danse et bien d’autres compétences professionnelles. Pour réussir l’incarnation du rôle, l’acteur doit apprendre à l’analyser, à ressentir et à vivre littéralement la vie de son personnage.
Pour entrer dans «l’atelier des talents», vous devrez passer par un énorme concours – jusqu’à 450 personnes par place.

Les collèges créatifs les plus connus du pays pour les futurs acteurs, artistes et musiciens: l’
Académie russe de musique. Gnessin
Academic Music College du Conservatoire d’État de Moscou nommé d’après PI. Tchaïkovski
Académie de chorégraphie d’État de
Moscou Collège de théâtre de Moscou au théâtre de Moscou sous la direction de
l’école de théâtre d’État O.Tabakov de Moscou (école technique) du nom de L.A. Filatova Il existe
des universités de théâtre dans la plupart des villes de la Fédération de Russie. Les plus célèbres et prestigieuses sont:
l’Université d’État de la cinématographie de toute la Russie nommée d’après V.I. S.A. Gerasimova (VGIK)
École supérieure de théâtre (institut) nommée d’après MME. Shchepkin au Théâtre Académique d’État Maly de Russie (VTU nommé d’après Shchepkin)

Université russe des arts du théâtre – Institut de théâtre GITIS (GITIS)
nommé d’après Boris Chtchoukine au Théâtre Académique d’État. Eug.
Conservatoire d’État Vakhtangov de Moscou PI. Tchaïkovski

Ou travailler

Un acteur peut travailler en tant que présentateur ou animateur, jouer dans des publicités, être un humoriste ou un blogueur sur YouTube. Mais le travail convoité dans la spécialité se trouve:
• dans les théâtres (Satyricon, Théâtre d’art de Moscou du nom de A.P. Tchekhov, Théâtre du Bolchoï, Opéra de Vienne)
• au cinéma (Mosfilm, Lenfilm, Hollywood)
• dans un cirque (Moscou Nikulin Circus on Boulevard Tsvetnoy, Cirque du Soleil)
• sur scène

Salaire (échelle salariale)

Hormis les revenus d’acteurs et de chanteurs vedettes comme Dmitry Nagiyev, Sergei Shnurov ou Svetlana Khodchenkova, le
salaire moyen d’un acteur varie de 40 à 200 000 roubles par mois.
Les salaires au cinéma et sur scène sont plus élevés qu’au théâtre et au cirque.

Sources utilisées et liens utiles sur le sujet: https://zen.yandex.com/media/orator/uprajneniia-po-akterskomu-masterstvu-dlia-nachinaiuscih-5ec712859a3f742070ee74b5 https://4brain.ru/akterskoe-masterstvo/ https: / /act-tech.ru/akterskoe-masterstvo.html https://www.Teatr-Benefis.ru/staty/akterskoe-masterstvo/osnovnye-sostavlyayushhie-aktyorskogo-ma/ https://tvkinoradio.ru/article/article4493 – 10-knig-po-akterskomu-masterstvu https://4brain.ru/akterskoe-masterstvo/kachestva.php https://fulledu.ru/articles/81_professiya-aktr.html https://proforientator.ru/publications/ articles /professiya-akter.html

Source d’enregistrement: lastici.ru