Les films de fiction, en fait, sont des histoires écrites par des personnes de différents degrés de santé mentale, qui sont fièrement appelées scénaristes, et illustrées par une poignée de celles uniques qui peuvent reproduire l’histoire en détail à l’écran.

Il existe des centaines d’options pour raconter des histoires artistiques, et les règles de ce ring sont, pour la plupart, absentes – des centaines de réalisateurs s’écartent du chemin déjà battu par les classiques et se dirigent vers l’Olympe du cinéma. En fait, quelque chose de nouveau et d’inconnu est en train d’être inventé.

Des variations de longs métrages – une variété de genres (du classique – la comédie, la tragédie et le drame, et se terminant par le cyberpunk et le néo-noir newfangled), la stylistique et les formes (court métrage, long métrage, vidéo musicale, qui en fait est aussi court).

L’instrument de la fiction est une histoire décrite dans un ordre défini, avec des accents précis. Cette histoire est racontée par des personnes – scénaristes, réalisateurs, cameramen et acteurs – dont chacun s’efforce de présenter sous le bon angle (prévu, je dirais même). C’est en fait l’essence même du préfixe «jeu».

Dans un long métrage, tout doit être calculé dans les détails, mais en même temps, si l’image n’est pas sur un thème historique, des hypothèses sont possibles – parfois, pour obtenir un effet plus dramatique, vous pouvez sacrifier le réalisme.

Les films de fiction sont sans aucun doute une création complexe et complexe – pour sa mise en œuvre, vous avez besoin d’une préparation minutieuse et d’une compréhension de ce que vous obtiendrez en conséquence. Les scénarios de plusieurs pages doivent passer par des tuyaux de feu, d’eau et de cuivre pour que nous obtenions ainsi 2 heures de fantaisie fascinante sur le thème de la vie.

Et je ne sous-estime pas le moins du monde l’importance et la complexité des films documentaires – c’est simplement que, en fait, les méthodes de production et l’impact des longs métrages et des documentaires sont différents. Et, il convient de noter qu’ils coexistent parfaitement et se complètent.

Les films de fiction sont une structure hiérarchique complexe qui fonctionne comme une pyramide de lunettes lors d’un bal luxueux – d’abord une idée est née, puis un scénario, une recherche de personnes (réalisateur, producteur, caméraman), une période préparatoire (pré-production), Processus de tournage, post-production et sortie sur écran clairement construit et en même temps absolument chaotique.

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Film documentaire

Le cinéma documentaire, comme tout autre cinéma, est aussi une chaîne d’actions, interconnectées, mais plusieurs maillons y sont présents (ou absents), ce qui distingue le processus de l’habituel.

Par exemple, au moment où le processus d’écriture du scénario se déroule dans un long métrage, les réalisateurs de documentaires peuvent simplement déterminer le sujet de la conversation ou ce qu’ils veulent voir dans le cadre à ce moment-là. De plus, souvent un réalisateur de documentaires ne peut planifier qu’un sujet approximatif, par exemple une conversation – pendant le processus de tournage, il est probable que le personnage soit assez polyvalent et révèle un autre sujet. Ou il sera en mesure de présenter ce sujet sous un angle différent, pas pire que de suivre le calendrier initial prévu. Le scénario peut déjà être écrit sur la base des images et corrigé après tout le processus de tournage.

En outre, les conditions du processus de prise de vue diffèrent de la « mise en scène » habituelle – peu importe quels plans et plans vous choisissez, comment vous exposerez la lumière (et si vous l’exposerez du tout), dans quels vêtements les personnages seront et s’ils seront maquillés (ici le maquillage et les costumes ne sont importants que dans la reconstitution réelle des événements lors du tournage de films de vulgarisation scientifique). Je voudrais noter que dans ce cas, il s’agit du «vrai» cinéma documentaire (comme le disent certains réalisateurs à propos des tendances actuelles).

Ici, je pense, le moment est venu de clarifier réellement l’essence de la question de la «vérité».

Certains réalisateurs de documentaires modernes pensent que dès qu’une personne voit la caméra, elle commence immédiatement à agir – et toute l’essence du cinéma documentaire disparaît. Selon eux, une personne doit être prise soit par surprise, soit tout doit être organisé de telle manière que la personne ne soupçonne tout simplement pas qu’elle est filmée.

Dokudrama

En général, mélanger les deux types de cinéma est une pratique assez courante – par exemple, il existe un genre tel que le «docudrama» – en apparence documentaire, mais en apparence fiction. En Europe, le docudrama est un sous-genre de films de fiction basés sur des événements réels. En fait, il s’agit d’une reconstruction à grande échelle d’événements avec la participation d’acteurs et une immersion beaucoup plus profonde dans le conflit interne des personnages, plutôt que juste une démonstration de jours emblématiques, mais déjà passés. Pour plus de clarté, prenons, par exemple, le film « Captain Phillips » avec Tom Hanks dans le rôle-titre – les événements sont tout à fait réels et historiquement confirmés, mais les personnages sont joués par des acteurs professionnels.

Notre docudrame est légèrement différent – il s’agit le plus souvent d’un film documentaire, mais avec des inclusions dramatiques des personnages principaux (une interview avec un vrai participant aux événements, ses commentaires et le point de vue du narrateur).

Films-portraits

Un autre sous-genre de films documentaires est constitué de portraits ou de films qui décrivent un événement de l’histoire. En fait, ce sont des films sur des personnages et des événements célèbres, mais contrairement aux films de vulgarisation scientifique, ils ont aussi cette « vivacité », quand tout, par exemple, est montré à travers le prisme d’une personne (un film-portrait du théâtre Bolchoï de point de vue d’un visiteur régulier, d’un ancien danseur et d’un autre personnage divertissant) avec des lignes non préparées et des scènes non répétées.

Film documentaire « vrai »

Il existe également une définition légèrement différente du «vrai» cinéma documentaire – Marina Razbezhkina y adhère (elle est la principale maîtresse de sa propre école de tournage documentaire, qui promeut le tournage en direct, et parmi ses élèves, par exemple, Valeria Gai Germanika) et Roman Shirman. Pour eux, le vrai tournage documentaire, c’est filmer ici et maintenant avec un minimum de commentaires et de mise en scène. Dans ce cas, la règle s’applique – «Je vois et maintenant je montre», le texte en voix off ou la musique n’est pas utilisé pour éviter d’imposer une ambiance pendant le visionnage.

De leur point de vue, la personne dans les films documentaires n’est qu’un détail. Ils n’utilisent pas d’entretiens, et ils ne racontent pas une histoire dans une chronologie cohérente – ce sont des sortes d’impressionnistes de la cinématographie qui essaient d’exprimer l’atmosphère à l’aide d’images. Un exemple frappant est l’image bien connue « Barak » – un film complètement sans texte, mais cela ne vous empêche pas de plonger dans l’atmosphère et de comprendre ce que vous voyez au niveau subconscient.

Combat mortel

Le film d’action de Paul Anderson (qui tournera plus tard « Resident Evil »), basé sur la série de jeux de combat Mortal Kombat, a ravi le public avec une intrigue ennuyeuse (le scénario a été écrit par les auteurs de MK Ed Boone et John Tobias), un bon jeu, des scènes de bataille bien mises en scène et des décors de haute qualité, grâce auxquels la bonne atmosphère a été obtenue. Mortal Kombat n’est peut-être pas le meilleur film, mais c’est certainement l’un des meilleurs films de jeu. Les suites, hélas, se sont avérées moins bonnes et ne méritent donc pas d’attention.

« Silent Hill »

L’adaptation du premier volet de la série Silent Hill fut définitivement un succès. Un casting professionnel, une musique entraînante (il ne pouvait en être autrement, car Akira Yamaoka, le compositeur permanent de la ligne de jeu, a participé à l’enregistrement de la bande originale), a magistralement véhiculé l’atmosphère de la ville couverte de brouillard, de monstres cauchemardesques (et les graphismes ont été utilisés au minimum) – tout cela a ajouté un film passionnant de haute qualité, qui peut être pardonné même pour certaines divergences avec le canon (par exemple, la présence de Pyramid Head). La suite, basée sur Silent Hill 3, s’est avérée être un échec, ne se souvenant que pour la faible infographie et le rôle de la future star de « Game of Thrones » Keith Harington.

« Resident Evil »

Les premiers épisodes de la série de films Resident Evil, basés sur l’univers Resident Evil, se sont avérés assez bons. Paul Anderson n’a pris de la source originale que le contour général de l’intrigue et certains des personnages, et si dans les deux premiers films il adhérait encore à une sorte de correspondance avec l’histoire de la ligne de jeu, alors un bâillon complet avec l’apocalypse globale, les clones et les héros immortels ont commencé. En conséquence, vous ne pouvez regarder que la première, la deuxième et, avec un étirement, la troisième partie, le reste est préférable de sauter.

Warcarft

Warcraft est peut-être un peu chaotique et en lambeaux, mais même avec ces lacunes, ce film mérite d’être sur la liste des meilleurs. Les fans de la ligne stratégique Warcraft et du jeu en ligne World of Warcraft ont vu des héros familiers et ont été témoins d’événements bien connus, et ceux qui ne connaissent pas la source originale ont reçu un film à grande échelle, passionnant et spectaculaire (bien que pas toujours compréhensible pour le spectateur non initié). Hélas, après une vague de critiques, les chances d’obtenir une suite sont encore très minces.

Prince of Persia: Les Sables du Temps

Le conte d’aventure, basé sur la série Prince of Persia, a transformé l’histoire du protagoniste d’une nouvelle manière. Ici, le prince Dastan rappelle plutôt un vagabond (tout est la faute de son origine – enfant, il a été ramassé dans la rue par le tsar Sharaman). D’autres attributs, cependant, sont en place: un poignard qui permet de remonter le temps (c’est dommage qu’il soit utilisé quelques fois au plus), le parkour, de nombreuses scènes de combat et, bien sûr, une belle princesse. Peut-être qu’à certains égards « Prince of Persia » n’a pas atteint le titre de cinéma de qualité, mais en tant que spectacle de divertissement, il est plus que pertinent.

Besoin de vitesse: besoin de vitesse

Un film d’action divertissant avec de belles voitures, une intrigue facile et des acteurs éminents dans les rôles principaux – le charismatique Aaron Paul, le charmant Rami Malek et le lauréat d’un Oscar Michael Keaton. Si nous établissons des parallèles avec la franchise de jeux, « Need for Speed » évoque les associations les plus proches avec Need for Speed: The Run – le film montre une course à travers l’Amérique, alterne poursuites et combats, change constamment de voitures et impressionne le spectateur avec des paysages à couper le souffle.

Lara Croft: Tomb Raider

Une adaptation de la série de jeux vidéo Tomb Raider avec la charmante Angelina Jolie. Les deux films de la série pouvaient se vanter d’une attitude frivole, d’une action bien mise en scène et d’excellents effets spéciaux pour leur époque. On ne peut pas en dire autant du redémarrage de 2018 avec Alicia Vikander dans le rôle titre, basé sur la nouvelle trilogie Tomb Raider et entré dans un sérieux excessif. Résumé: l’ancienne dilogie est bonne, le redémarrage ne mérite pas d’attention.

« Max Payne »

Max Payne est un bon film. Mais seulement en dehors de la franchise du jeu, car le film ne lui est lié que par le nom et les noms de certains personnages. Sinon, c’est une œuvre indépendante, intrigante avec une histoire intéressante et séduisante avec une atmosphère noire. Hélas, avec une telle attitude insouciante envers la source originale, le film vous décevra plutôt que vous captiver.

Lara Croft: Tomb Raider (2001).

Elle est la perfection même! Il n’y a pas de femme sur notre planète qui puisse se comparer à elle. Elle est divinement belle, incroyablement intelligente et incroyablement courageuse. Elle possède tous les types de combat au corps à corps, tire étonnamment de tout type d’arme et est capable de survivre dans les conditions les plus extrêmes.
Après le match, voir Lara Croft en direct, oui, c’était le rêve de millions de fans. Courant sur l’écran dans son court métrage, Angelina Jolie rend le film tout à fait regardable même sans son.

Resident Evil (2002).

Dans un laboratoire souterrain géant, un virus dangereux se libère, transformant instantanément ses victimes en zombies gloutons. Une morsure ou une égratignure de leurs terribles griffes suffit pour qu’une personne devienne un dévoreur fou de chair vivante.
Objectivement – le meilleur film de toute la série, comme cela se produit habituellement. Mila Jovovich, qui avait fière allure dans Le cinquième élément, semble avoir complètement ruiné sa carrière avec ce rôle.

Super Mario Bros. (1993)

Les frères plombiers de Brooklyn se retrouvent dans un monde parallèle et tentent de sauver la princesse du dictateur monstre sanguinaire. Le film, comme prévu, est entré dans le « Livre Guinness des Records » en tant que premier film tourné pour le jeu. Cependant, cela n’a rien à voir avec la qualité.

Le film s’est avéré si terrible qu’il est devenu un phénomène culturel – vous pouvez regarder et rire au sommet de votre voix, même aujourd’hui.

Double Dragon (1994)

Le premier film de combat a révélé un problème: le manque d’intrigue cohérente dans le jeu fournit un terrain pour le fantasme malade des scénaristes. Les frères Li recherchent la deuxième partie de la mascotte Double Dragon, qui est capable de déchirer la Terre en lambeaux.

Des personnages en carton et des combats idiots sont tout ce qu’il y a à Double Dragon.

Street Fighter (1994)

Autre exemple de scénario stéréotypé, «décoré» par le jeu médiocre de l’ancienne «grande star du porno» Jean-Claude Van Damme. Je pense que beaucoup de gens ont cessé de croire aux films de combat après cela. Mais en vain …

Et oui, c’est le troisième film de la catégorie « tellement mauvais, c’est même bon ».

Mortal Kombat (1995)

J’ai peut-être l’air d’un fanatique, mais j’ai regardé l’original Mortal Kombat trente fois. Le tournoi qui déterminera l’avenir de la Terre a commencé. Les meilleurs combattants des deux univers entrent dans l’arène. Mortal Kombat a commencé! Raiden, Johnny Cage, Kitana, les «frères» Sub-Zero et Scorpio sont devenus un symbole de l’époque pour des millions d’adolescents.

Et il y a aussi une intrigue simple, pas d’excès dans l’esprit du même « Double Dragon » et des combats vraiment bien mis en scène.

Halo

Un long métrage basé sur le jeu phare de Microsoft était prévu au début des années 2010. L’idée même d’une guerre galactique à grande échelle de personnes et d’alliances implorait un blockbuster hollywoodien, mais les producteurs ont commencé à se plaindre de la politique agressive et analphabète du « Mike », qui exigeait l’impossible. Soit réécrivez le script, puis changez de directeur, puis augmentez le budget, puis réduisez – à la fin, le projet s’est tout simplement arrêté.

Des années plus tard, Showtime l’a repris et a décidé de le transformer en un opéra spatial à grande échelle en plusieurs parties. Le rôle principal est joué par Pablo Schreiber, surtout connu pour ses rôles de George Mendes d’ Orange Is the New Black et de Mad Swinney d’ American Gods. Les créateurs promettent « leur » Game of Thrones « , uniquement sans inceste ». Le tournage est sur le point de commencer, donc l’attente des débuts sur petit écran du Master Chief n’est pas longue.

Inexploré

Un film basé sur la franchise d’aventures Naughty Dog devrait, en théorie, occuper le créneau que les créateurs du film Tomb Raider tentent de tracer. Mais les deux concurrents sont confrontés à un problème commun: les films sur les joyeux chasseurs de trésors sont devenus un genre obsolète et sont devenus une cible de parodies: prenez, par exemple, « Jumanji: Bienvenue dans la jungle » ou le récent « Dora ».

Seul un protagoniste charismatique peut sauver l’image de l’échec, et ici Uncharted a un net avantage. L’excentrique Nathan Drake est joué par le talentueux Tom Holland – non seulement le meilleur Spider-Man de l’histoire du cinéma, mais aussi juste un très bon acteur. J’espère que nous aurons une bonne aventure d’action. Eh bien, si les créateurs parviennent à sortir le projet de l’enfer de la production, où il est depuis plusieurs années …

Appel du devoir

La date exacte de la sortie de la version cinématographique de Call of Duty (je me demande comment elle s’appellera dans notre box-office?) N’est pas encore disponible, et il est peu probable que nous la sachions bientôt. Si les producteurs décident de tourner sur le présent, ils devront trouver une parcelle pertinente, ce qui sera très difficile. Cependant, quelque chose dans l’esprit des militants patriotiques de Michael Bay avec des drapeaux flottants dans le demi-écran, des soldats à l’apparence de mannequins et du matériel militaire filmé de manière succulente est susceptible de se produire. Le réalisateur a été nommé Stefano Sollima, devenu célèbre pour le film « Tous les flics sont des salauds » et la suite de « The Killer » de Denis Villeneuve.

Duc Nukem

Jusqu’à présent, le chat a pleuré des informations sur le film, mais les bases d’un excellent film d’action ironique sont déjà là: le duc impoli sexiste politiquement incorrect se trouve dans un monde moderne et tolérant, plein de souci pour son voisin et catégoriquement pas prêt pour une blonde gonflée. Mais qui d’autre peut sauver le monde des extraterrestres qui arrivent soudainement?

Ils prévoient d’inviter le célèbre lutteur John Cena pour le rôle du « duc nucléaire » – un candidat presque idéal, apparemment si exactement. Jusqu’à présent, le film n’a ni scénario ni réalisateur, mais si tout se passe bien, nous pourrions bien voir quelque chose dans le style de « Deadpool » – une action sanglante audacieuse avec un humour de débauche et une dérision des clichés d’un grand film. Espérons que le film n’aura pas à attendre encore treize ans.

Minecraft

C’est qui devra attendre, peut-être le plus longtemps! La sortie du film (nous supposons qu’il est animé) est prévue dès 2022 – à ce moment-là, les adaptations cinématographiques des jeux se transformeront finalement en risée, ou elles atteindront un nouveau niveau. En soi, l’idée de pousser Minecraft sur grand écran est tout simplement géniale: cela peut s’avérer être un sketch de parodies de tout et à la fois dans l’esprit de « Lego Movie ». Eh bien, ou une histoire triste pour les enfants d’âge préscolaire.

Il y a encore de l’espoir pour le meilleur, car les scénaristes ont été le créateur du jeu lui-même, Marcus Persson et la candidate aux Oscars Allison Schroeder: c’est elle qui a écrit le scénario de Christopher Robin, qui mêlait parfaitement fiction et réalité.

Armement de guerre

Je voudrais croire que « Gears of War » (nous espérons que c’est le titre final) se révélera meilleur que le culte dans certains cercles « Warcraft ». Si avec l’épopée Blizzard la difficulté était que les créateurs essayaient d’adapter les événements à grande échelle en deux heures, alors avec Gears of War tout est beaucoup plus simple: l’intrigue n’a jamais été le point fort de la série. Vous avez juste besoin de transmettre l’atmosphère d’un vrai hachoir à viande, et en termes d’effets spéciaux, Hollywood est devenu habile.

Alors que le projet est au stade de l’élaboration du scénario: les auteurs des nouveaux Avatars, la franchise Pirates des Caraïbes et le scénariste du film hollywoodien annulé basé sur Metro 2033 sont impliqués dans le film. Espérons que les producteurs entendront Dave Batista et le choisiront pour le rôle de Marcus Phoenix. À notre avis, il ne va pas comme les autres!

Chasseur de monstre

Mais nous n’attendons plus rien de bon de ce projet. Pour commencer, il est réalisé par Paul Anderson – pas Thomas, mais US, le réalisateur du premier film Mortal Kombat et une grande partie de la série Resident Evil. Si «Mortal Kombat» et le premier «résident» étaient bons à leur manière et véhiculaient plus ou moins l’atmosphère des jeux originaux, alors Anderson en souffrait. À la sixième partie, la franchise zombie sous sa direction est finalement tombée dans la poubelle de bas niveau.

Après avoir traité une idée originale de Capcom, le réalisateur a attiré l’attention sur ce qui suit … Et encore une fois, il a poussé sa femme Mila Jovovich dans l’adaptation cinématographique, qui depuis dix ans n’a joué dans aucun bon film. Bien sûr, la présence du maître des arts martiaux Tony Jah donne un faible espoir d’une action décente, mais les images de l’ensemble vous font baisser toutes les attentes possibles.

Sonic au cinéma (2020)

Le hérisson bleu vif et lâche Sonic du monde parallèle, avec son nouveau meilleur ami humain Tom, se familiarise avec les complexités de la vie sur Terre et affronte le méchant docteur Robotnik, qui veut capturer Sonic et utiliser ses super-pouvoirs illimités pour conquérir le monde domination.

Les fans de jeux Sonic ont critiqué l’apparence du hérisson bleu dans ce film. Et – voilà, leurs commentaires ont été pris en compte, Sonic est devenu beaucoup plus joli et, par conséquent, le film sur lui a montré un meilleur départ.

Assassin’s Creed (2016)

Avec une technologie révolutionnaire pour rappeler les souvenirs des générations passées, Callum Lynch vit les aventures de son ancêtre Aguilar dans l’Espagne du 15ème siècle. Callum apprend qu’il est un descendant de membres de la mystérieuse société secrète des Assassins. Ayant accumulé des connaissances et des compétences incroyables, il se confronte aujourd’hui à l’organisation puissante et brutale des Templiers.

La série de jeux très populaire sur le voyage dans le temps des assassins à travers la mémoire d’elle-même est si cinématographique qu’elle n’a guère besoin d’une version cinématographique. Mais Hollywood a toujours insisté sur un blockbuster. La collection de l’image était modeste, mais sa sortie ne peut pas non plus être qualifiée d’échec complet.

Silent Hill (2006)

Les médecins ne peuvent pas trouver de remède à la mystérieuse maladie de Sharon, mais sa mère Rose refuse d’envoyer l’enfant dans un établissement psychiatrique. Avec sa fille, elle se rend à Silent Hill – une ville dont le nom Sharon se répète constamment dans ses rêves. Rose est convaincue que c’est là qu’elle trouvera les réponses dont elle a tant besoin.

Le jeu et le film sont tout aussi effrayants. Le réalisateur a réussi à transférer l’atmosphère du jeu à l’écran, à faire peur au spectateur de la même manière que ceux qui ont joué ce jeu pour la première fois au début des années 2000 avaient peur.

Warcraft (2016)

Pendant des siècles, des murs magiques et imprenables ont protégé les gens de tout malheur. Mais un mal ancien, vaincu et oublié il y a des millénaires, s’est réveillé.

Un portail sombre s’est ouvert au cœur du royaume et une race de créatures invisibles a inondé les terres d’Azeroth. Ainsi ont commencé des événements destinés à changer à jamais le destin de ce monde.

Tout le monde attendait du film basé sur la série de jeux Warcraft quelque chose comme un autre « Seigneur des Anneaux » – magie, guerres sévères, confrontation entre gobelins et chevaliers. Mais il s’est avéré un peu différent – avec un budget impressionnant aux États-Unis, l’image a échoué. Et cela a conduit à l’absence de sa continuation.

Pokemon: Détective Pikachu (2019)

L’histoire commence par la mystérieuse disparition du détective privé Harry Goodman, sur laquelle son fils Tim, âgé de 21 ans, enquêtera. Il sera assisté dans l’enquête par l’ancien partenaire de son père, le détective bavard Pikachu, qui est un mystère même pour lui-même. Après avoir découvert qu’ils étaient d’une manière fantastique capables de communiquer entre eux, Tim et Pikachu sont partis à la recherche de preuves dans les rues néon de Ryme City, une métropole tentaculaire moderne où les humains et les Pokémon vivent côte à côte. Le couple rencontre une grande variété de Pokémon et découvre une terrible conspiration qui peut détruire cette coexistence pacifique et devenir une menace pour tout l’univers Pokémon.

Le film a frappé le box-office et a reçu des notes élevées. Et Pikachu avec la voix de la star de « Deadpool » Ryan Reynolds semblait à tout le monde un animal parlant très organique, capable de déduction.

Perte

Le film se déroule vers 2045. Après qu’un signal d’aide a été reçu du laboratoire scientifique distant d’Oldway, un détachement de forces spéciales spatiales arrive à l’endroit – la planète Mars – et découvre la station détruite. Il s’avère bientôt que des hordes d’horribles créatures mutantes chassent les gens ici …

Tueur à gages

Le Hitman a été formé comme un assassin hautement professionnel, dont l’arme la plus puissante est le calme et l’immense fierté de son travail. 47 est les deux derniers chiffres du code-barres tatoués à l’arrière de sa tête, ainsi que son seul nom.

Mais le chasseur devient une proie quand 47 est pris dans une intrigue politique. Interpol et l’armée russe commencent la chasse au tueur à gages dans toute l’Europe de l’Est, tandis que lui-même essaie de comprendre qui l’a mis en place et pourquoi ils essaient de le sortir du jeu. Mais la plus grande menace pour 47 ans est l’excitation de sa conscience et des émotions inconnues qui se sont réveillées en lui après avoir rencontré une belle fille …

combattant de rue

Le dictateur fou est un psychopathe vicieux et plutôt têtu qui prend en otage des innocents, exigeant une rançon de plusieurs millions de dollars. Le seul qui est capable de faire face à lui est l’intrépide colonel William Gile, dont la part est sur une mission dangereuse – trouver le quartier général secret du souverain raté du monde et le vaincre.

Seuls quelques amis viennent en aide à un combattant courageux – ils ne se ressemblent pas, mais ils ont une chose en commun – ils croient en eux-mêmes et sont prêts à aller jusqu’au bout.

Précurseurs

Le genre des films interactifs est issu de l’industrie cinématographique. Ou plutôt, le désir des réalisateurs, producteurs et scénaristes de surprendre le spectateur avec un format ou une manière de raconter des histoires non standard.

L’un de ces aventuriers était Robert Montgomery, un acteur américain qui a présenté ses débuts en tant que réalisateur en 1947. C’était le film « Lady in the Lake » – noir, dont la particularité était le tournage à la première personne (l’effet de « caméra subjective »). Basé sur le roman de Raymond Chandler, la bande raconte l’histoire d’un meurtre mystérieux, et nous observons toute l’enquête à travers les yeux du protagoniste.

C’est également devenu le slogan principal du film: VOUS et Robert Montgomery – Résolvez un mystère de meurtre ensemble!, Flashé sur littéralement tous les dépliants et affiches publicitaires.

Le livre de Chandler a été écrit à la première personne – l’accueil des cinéastes a permis, même dans l’adaptation cinématographique, de se sentir dans la peau d’un détective privé Philip Marlowe. Nous n’avons vu que ce qu’il voit, nous n’avons entendu que ce que le héros entend. Avant «Lady in the Lake», un tel subjectivisme n’avait jamais été observé au cinéma.

La même année, le film Dark Passage de Delmer Daves, que nous connaissons sous le nom de « Black Stripe », est sorti. C’est aussi du noir, dont un tiers a été tourné à la première personne. Au début du film, le héros s’échappe de prison – et nous n’avons aucune idée de ce à quoi il ressemble. À un moment donné, le personnage subit une chirurgie plastique, on voit le reflet d’un visage bandé. Le héros enlève ses bandages et s’avère être … Humphrey Bogart! Le reste du film est tourné en utilisant des angles de caméra noirs conventionnels (mais non moins intéressants).

À quoi ressemblait le personnage avant la transformation, la plupart des téléspectateurs ne le sauront jamais – bien que les plus voyants puissent distinguer le visage du criminel sur une petite photo dans le journal à côté du mot WANTED. L’ensemble du film a été tourné à un niveau élevé, mais c’est la première personne qui est la plus impressionnante et fait de Black Stripe l’un des meilleurs représentants du genre noir, avec Deep Sleep et The Maltese Falcon.

Ce ne sont pas seulement les plans à la première personne de cache-cache avec la police qui sont impressionnants. La vraie épouse de Bogart, Lauren Bacall, qui joue le rôle féminin central dans le film, parvient à regarder la caméra, directement vers le spectateur, aussi charmante qu’elle regarde son mari bien-aimé dans des angles de film traditionnels. Grâce à la « caméra subjective », Bacall et moi établissons une connexion que le spectateur n’a jamais eue avec aucune famille d’écran. Dans les films ordinaires, il est interdit aux actrices de regarder directement dans la caméra, de sorte que le spectateur ne se souvienne pas de l’existence même de cette caméra. Par conséquent, ni Ingrid Bergman, ni Ava Gardner, ni Rita Hayworth n’ont examiné personnellement votre âme.

L’interactivité s’est infiltrée dans le cinéma non seulement par l’expérimentation de la caméra. Dans les années 50 du siècle dernier, le réalisateur et producteur américain William Castle a filmé des films d’horreur à petit budget en utilisant des astuces marketing extrêmement inhabituelles. Ainsi, lors de la projection du film « House on the Hill of Horrors » (1959), un énorme squelette en plastique a survolé la salle de temps en temps, que les adolescents tournaient constamment avec du pop-corn.

Au cours de la session de Tingler (1959), certains téléspectateurs ont installé des dispositifs vibrants sous leurs sièges, qui ont été déclenchés au hasard à mesure que le film progressait. Pour les éteindre, la personne a dû crier, ce qu’indiquait l’avertissement au début de la bande. Selon l’intrigue du film, des sensations désagréables au cinquième point avec une forte peur sont causées par un terrible parasite, semblable à un mille-pattes, enlacent la colonne vertébrale de chaque personne. Quand une personne crie, le parasite s’affaiblit, mais si vous avez vraiment peur et que vous ne criez pas, cela vous cassera simplement la colonne vertébrale. Un de ces monstres est séparé du dos d’une femme muette assassinée, et à l’apogée du film, ce tingler s’échappe dans une salle de cinéma, qui appartient à l’un des héros.

Au même moment, dans un vrai cinéma, TOUS les sièges pièges se mettent à vibrer IMMÉDIATEMENT!

Le premier film véritablement interactif est apparu en 1967. C’était la comédie d’art et d’essai tchèque Kinoautomat. La bande n’a duré que 60 minutes, mais s’est arrêtée 9 fois, invitant les téléspectateurs à choisir l’une des deux options pour le développement d’événements en votant. C’était une performance plutôt étrange, mais en même temps intéressante – d’autant plus que le film se positionnait comme une satire sur la démocratie. En conséquence, il n’a eu qu’une fin – même en dépit de toutes les élections précédentes.

Vidéo animée

Comme la cinématographie, l’industrie du jeu jeune (ou plutôt, même un nouveau-né) était constamment à la recherche de nouveaux moyens plus puissants d’influencer le consommateur. Au milieu des années 70, la Full Motion Video (FMV) est apparue – des jeux dans lesquels l’intrigue était présentée à travers une vidéo préenregistrée (ou même un film) avec des décors et des acteurs en direct.

Certains projets ont utilisé de courts clips entre le gameplay traditionnel – l’approche qui a rendu célèbres les premiers épisodes de Command & Conquer – tandis que d’autres ont joué des films du début à la fin.

Le premier jeu FMV est considéré comme le jeu d’arcade Wild Gunman, sorti en 1974 par Nintendo. Et c’est vraiment un vrai film interactif – un film avec plusieurs options pour l’évolution de la situation. L’essence du jeu est simple: un acteur de cow-boy apparaît à l’écran contre vous, et lorsque ses yeux s’illuminent, vous devez lever le pistolet léger et tirer. Un jeu d’arcade typique – cependant, sur du vrai film et avec des acteurs en direct au lieu de canards de pixels.

Notamment, Wild Gunman a été développé par Gunpei Yokoi (futur créateur de GameBoy) AVANT les technologies LaserDisc (1978) et CD-ROM (1979). Ce sont les disques laser qui sont considérés comme les ancêtres de la FMV – après tout, ils ont permis pour la première fois de stocker de gros volumes de vidéo en direct (bien que fortement compressés) sur un support compact. Nintendo avait sa propre technologie: les clips étaient simplement lus sur une paire de vrais projecteurs de films.

La véritable « naissance » des jeux FMV remonte à 1983 – avec la sortie de l’arcade Dragon’s Lair. Il s’agit d’un dessin animé interactif grandiose créé par l’ex-animateur de Walt Disney Don Bluth. Le jeu a créé une véritable sensation chez les jeunes et est devenu un phénomène culturel – les personnages de « The Simpsons » et la série « Stranger Things » y étaient coincés. Le script, comme dans la plupart des projets FMV, est simple, le gameplay l’est aussi.

L’accent est mis uniquement sur les visuels – et la qualité de l’animation est vraiment incroyable.

Pour sauver la princesse des griffes du dragon, l’imposant chevalier Dirk doit passer par un parcours d’obstacles dans le style des événements Quick Time – oui, QTE est apparu pour la première fois dans ce jeu. Le joueur doit choisir les bonnes portes et appuyer sur le bouton à temps pour couper les monstres. Toute l’aventure dure environ 15 minutes, mais la dynamique et le plaisir du jeu suffisent. Et les animations de la mort dans Dragon’s Lair peuvent être considérées comme telles.

De la même manière, le prochain jeu de Blute, Space Ace (1984), a été développé. En fait, c’est le même Dragon’s Lair, mais dans un décor spatial. Tous les mêmes héros et princesse caricaturés – sauf que l’interactif est devenu un peu plus. D’autres arcades notables de ces années incluent Ninja Hayate (1984) et Super Don Quix-ote (1984) – également des princesses et QTE, mais dans un décor d’anime.

Par la suite, des éléments de quête ont été ajoutés aux jeux FMV. Par exemple, dans Time Gal (1985), de temps en temps, vous pouvez choisir les actions de votre personnage (frapper avec la gauche, avec la droite, ou même fuir), bien qu’il n’y ait encore qu’un seul résultat correct. Dans le même temps, Thayer Quest (1984) n’avait pas de QTE, et le gameplay se composait entièrement de solutions textuelles, ce qui permettait de jouer à l’arcade de plusieurs manières différentes.

La popularité des jeux FMV a culminé dans les années 1990, lorsque les animations dessinées à la main sont passées à l’arrière-plan et que les longs et courts métrages avec des acteurs en direct ont commencé à dominer le genre. L’un des premiers succès fut l’adaptation du jeu de société du même nom Sherlock Holmes: Consulting Detective (1991).

Ici, le cinéma interactif prend alors son aspect «classique»: un menu de jeu en plus d’un mini-film.

Dans l’histoire, vous devez résoudre trois cas mystérieux, en vous appuyant sur des articles de journaux et des dialogues avec des civils. En principe, c’est là que se termine le gameplay: le joueur n’a qu’à lire des toiles de textes et à regarder des extraits atmosphériques d’interrogations. Au cours des années suivantes, deux autres suites ont été publiées – dans lesquelles, cependant, vous devez faire de même.

En général, les romans policiers sont devenus l’un des genres les plus populaires du cinéma interactif. En 1994, Tex Murphy: Under A Killing Moon est sorti – le troisième jeu d’une série de quêtes sur le détective perdant Tex Murphy. Il s’agit en partie d’un projet d’art et d’essai, qui se déroule dans un avenir post-apocalyptique, où le joueur doit enquêter sur des cas étranges (par exemple, le gambit classique avec la statuette manquante) et contacter des individus non moins étranges parmi les humains et les mutants. Les traits distinctifs de Under a Killing Moon incluent une abondance d’humour (presque) de haute qualité, de l’auto-ironie, ainsi qu’un monde conventionnellement ouvert avec une tradition bien développée.

Dans le même temps, le jeu Voyeur (1993), au contraire, fait son chemin avec sa « proximité » dans l’esprit du détective Hitchcock « Window to the Courtyard » (1954). Le joueur tente à nouveau sur le rôle d’un enquêteur privé, mais cette fois il faut trouver de la saleté sur le candidat à la présidentielle. Le gameplay consiste à espionner les fenêtres du penthouse depuis l’appartement d’en face. Vous êtes tenu d’écouter les conversations et d’observer la vie personnelle (et parfois intime) de la famille d’un politicien impliqué dans quelque chose de suspect, qui doit être révélé.

Sherlock Holmes: détective consultant

En plus des détectives, les films B ont pris leur créneau – les films d’horreur thrash qui ont généré de nombreux scandales sur le marché des jeux. L’un des exemples les plus frappants est le Night Trap de 1992, qui a été interdit et censuré en raison de scènes trop violentes. Le gameplay est un jeu de piège dans lequel vous devez protéger un groupe de jeunes filles des vampires (plus comme The Gimp de « Pulp Fiction ») qui envahissent la maison et essaient de voler toutes les filles. Le joueur a à sa disposition un panneau de contrôle des pièges et huit caméras installées dans chaque pièce.

Le caméraman de Night Trap est Don Burgess, qui a remporté une nomination aux Oscars en 1995 pour le tournage de Forrest Gump.

Le jeu interactif consiste à espionner et à attraper des vampires – jusqu’à ce que vous attrapiez tout le monde et que vous protégiez les adolescents. Eh bien, au moins certains.

Les jeux animés n’ont pas non plus pris de retard – après les années 80, ils ont eu un second souffle. Les dessins animés ont été remplacés par la modélisation 3D, mais le gameplay était encore médiocre. La science-fiction, avec un accent sur «interactif» plutôt que «cinéma», était la plus populaire parmi les animations. Parmi les plus mémorables, citons Creature Shock (1994) et Cyberia (1994) – des jeux d’action futuristes avec une animation informatique à gros budget de scènes 3D. Le gameplay est resté au niveau des machines à sous, avec d’innombrables QTE et mécanismes de shoot'em-up sur rail.

Les principaux jeux d’aventure de ces années sont The 7th Guest et Myst, tous deux sortis en 1993. Contrairement aux projets de niche susmentionnés, The 7th Guest et Myst sont devenus parmi les FMV les plus célèbres et les plus réussies de l’histoire – les futurs succès du genre leur étaient égaux. Le premier est une horreur mystique pleine de quêtes avec un fluage, mais une histoire intrigante. L’intrigue rappelle quelque peu le roman d’Agatha Christie « 10 petits Indiens »: aussi une maison mystérieuse, un congrès d’invités inconnus et des meurtres périodiques. Certes, les invités sont morts depuis longtemps et se présentent sous la forme de fantômes, et la ligne policière a été remplacée par des phénomènes surnaturels. Cependant, de tels changements n’étaient que bénéfiques pour le jeu.

Quant à Myst, il s’agit d’un projet étudiant, devenu à l’époque culte et toujours entendu par les fans du genre.

Il n’y a pas beaucoup de FMV ici (et au lieu d’acteurs professionnels, les rôles ont été joués par les développeurs eux-mêmes), mais le jeu a grandement contribué au développement des films interactifs en général. Pour l’époque, Myst était distinctif dans tout: à la fois dans l’image et dans le gameplay. Il s’agit d’une quête d’aventure sur une île fantastique avec plusieurs fins et des puzzles originaux. Techniquement, le jeu combinait des graphismes 3D avec des inserts FMV, et au cours de ces années, il semblait relativement photoréaliste, ce qui a immédiatement attiré l’attention des joueurs.

En général, Myst est devenu l’un des jeux les plus significatifs de l’histoire des quêtes et des films interactifs.

Le genre a continué à se développer et, en 1995, d’importantes sommes d’argent ont commencé à être investies dans le cinéma interactif. Le premier projet majeur était Phantasmagoria (1995) – l’un des jeux les plus chers de l’histoire. Dans le processus de développement, 25 acteurs professionnels ont été impliqués, plus de 1000 décors ont été dessinés (la JVM moyenne en compte environ 100) à l’aide d’effets spéciaux hollywoodiens, et une chorale entière de 135 personnes a été engagée comme accompagnement musical.

Phantasmagoria a pris l’idée de l’intrigue de The Shining de Kubrick, se penchant vers une composante mystique avec une atmosphère dans l’esprit de Po et King. Un jeune couple s’installe dans un grand domaine, où un esprit s’infiltre dans le mari du personnage principal, qui a brutalement tué plusieurs filles il y a plusieurs siècles. De plus, toutes les scènes de torture et de meurtre (et même une seule) sont montrées en détail dans des flashbacks, c’est pourquoi le jeu a été interdit dans plusieurs pays.

Gameplay Phantasmagoria est une quête avec un développement d’événements relativement linéaire. Au total, le jeu est divisé en 7 chapitres, au cours desquels le personnage principal doit sauver son mari en expulsant le démon de lui. Le scénario n’est pas aussi original que, par exemple, dans The 7th Guest, mais en termes de cinématographie, Phantasmagoria a surpassé tous les projets FMV existants à cette époque. Et 4,5 millions de dollars ont clairement été dépensés pour une raison – même si le jeu n’a pas été apprécié par les critiques.

La même année, Beast Within: A Gabriel Knight Mystery est sorti, un curieux film d’art et d’essai interactif qui, au contraire, a été très apprécié par les joueurs et la presse. C’est aussi un roman policier avec des éléments du mystique, cette fois impliquant le folklore allemand sur les loups-garous et les sectes secrètes. Le budget de A Gabriel Knight Mystery n’était pas aussi important que celui de Phantasmagoria, mais le jeu a pris de la qualité – une intrigue originale et des dialogues bien écrits.

En d’autres termes, les principaux composants du cinéma interactif de haute qualité.

À la fin des années 90, la FMV est pratiquement morte – les jeux dans ce sens ont ruiné le besoin de coûts élevés pour des choses de très haute qualité (après tout, le cinéma en production coûte plus cher que les jeux) et les faibles ventes de jeux-cinéma de mauvaise qualité -savon. Mais même en cette période difficile, il y a des projets intéressants. Par exemple, Tender Loving Care (1998) des futurs développeurs de TimeShift (2007) – avec le célèbre acteur John Hurt. Le jeu est un thriller psychologique divisé en plusieurs épisodes. Après chaque scène FMV, le joueur doit passer un test qui examine sa psyché et son attitude face à ce qu’il a vu. Un « mode libre » est également disponible, dans lequel vous pouvez vous promener dans des lieux 3D et collecter des informations supplémentaires sur les personnages principaux. Le jeu propose 7 variantes de fins avec une histoire en constante évolution, en fonction des décisions du joueur au cours de l’histoire.

L’intrigue est un drame plutôt trash sur une jeune famille dont l’enfant est mort dans un accident de voiture. Les deux personnages souffrent d’un trouble mental, c’est pourquoi ils consultent un thérapeute, qui recommande l'embauche d’une infirmière. Cela, bien sûr, ne fait qu’aggraver la situation de la famille, transformant leur vie en un véritable enfer psychologique. Tender Loving Care n’a pas apporté quelque chose de révolutionnaire au genre, mais c’est un souffle nouveau à l’ère des jeux de détective / mystique FMV. Eh bien, c’est aussi un thriller vraiment captivant qui vaut la peine d’être regardé, ne serait-ce que pour le bien de Hurt.

Quêtes et rotoscopie

Parallèlement à la FMV, des quêtes de pixels se sont également développées – ou, comme on les appelait alors, des jeux d’aventure. Il s’agissait pour la plupart de projets pointer-cliquer réguliers, mais certains différaient par l’intrigue originale et la méthode de narration.

L’un des développeurs les plus célèbres de ces jeux était LucasArts (alors toujours Lucasfilm Games). En 1987, sous sa direction, le jeu Maniac Mansion est sorti – un projet extrêmement innovant pour l’époque, qui a mis le nom du studio sur la carte de l’industrie de l’aventure. L’intrigue est entièrement un cliché de films de catégorie «B» dans l’esprit du même William Castle – mais les jeunes Ron Gilbert et Gary Winnick jouent habilement le tout, se moquant d’eux-mêmes et du joueur.

Toute l’action se déroule dans le manoir d’un certain docteur Fred Edison, dont l’esprit est possédé par une météorite extraterrestre. Une fois, Edison kidnappe une fille qui s’avère être la bien-aimée du protagoniste. Le joueur, avec deux partenaires sélectionnés, doit la sauver et détruire la maudite maison. Au total, vous avez le choix entre 6 personnages jouables, chacun possédant des compétences universelles (cependant, il y a un héros inutile). Ils sont confrontés à la famille du Dr Fred et à quelques extraterrestres – des tentacules géants qui marchent. Maniac Mansion a plusieurs fins et, en général, le récit de la quête est non linéaire.

En ce qui concerne le gameplay, il ne sert à rien de le décrire en détail – il s’agit d’un pointer-cliquer tout à fait standard. Techniquement, le jeu s’est avéré révolutionnaire grâce au moteur SCUMM, qui simplifiait l’interface de quête de l’époque à l’état d’une liste de verbes. En outre, le concept de cinématiques est apparu pour la première fois dans le jeu – il a été inventé par Gilbert pour décrire des inserts d’intrigue non interactifs dans le jeu. Pour le reste, Maniac Mansion, comme les autres jeux LucasArts, s’accroche exclusivement à son intrigue et à son humour. Ainsi que la série culte Monkey Island, et le jeu basé sur les bandes dessinées absurdes Sam & Max.

Les premiers changements significatifs se sont produits dans Full Throttle (1995). Le jeu regorge toujours des atouts du scénario des précédents projets LucasArts, mais techniquement, il s’est amélioré. SCUMM a évolué et offre au joueur une interface de sélection textuelle non plus encombrante mais compacte à base de tarte. Maintenant, au lieu de rechercher le verbe requis pour effectuer une certaine action, vous pouvez simplement appeler un menu rond avec trois boutons actifs: « regarder » / « parler », « utiliser » et « frapper ». Le changement semble moins important, mais grâce à lui, les quêtes ont finalement éliminé les commandes de texte ennuyeuses.

Après tout, dans les jeux LucasArts, le savoir et l’intrigue sont importants, tout d’abord, donc l’accent a été mis sur la nature cinématographique de ce qui se passe afin de réduire au minimum l’interface utilisateur habituelle.

Plusieurs années plus tard, LucasArts est allé encore plus loin. En 1998, le studio a développé un nouveau moteur GrimE, sur lequel la quête Grim Fandango est sortie. Outre les graphismes 3D, une caractéristique distinctive du jeu était l’absence totale de toute interface. La partie interactive est littéralement devenue « vivante » – pas de menus, d’éléments en surbrillance ou même de pointeur de souris. Le joueur a juste besoin d’aller à l’objet et d’appuyer sur le bouton pour effectuer l’action. Pour faciliter l’orientation, la tête du personnage est toujours tournée vers l’élément actif.

L’intrigue de Grim Fandango est faite dans les meilleures traditions des quêtes LucasArts. C’est noir sur la pègre dans le cadre de la fête traditionnelle mexicaine du jour des morts. Vous contrôlez, respectivement, le squelette, qui est obligé de «travailler» sa mort pour entrer dans un monde meilleur. Dans l’ensemble, il n’est pas surprenant que Grim Fandango ait été élu meilleur jeu d’aventure de 1998.

Parlant du développement du cinéma interactif, il convient de mentionner la technologie de la rotoscopie.

Il s’agit d’une technique dans laquelle l’animation est créée en décrivant image par image d’un film réel avec de vrais acteurs, rendant tout mouvement à l’écran aussi fluide que possible. En Russie soviétique, la méthode était connue sous le nom d ‘«éclair». Dans l’industrie du jeu vidéo, la rotoscopie a été utilisée pour la première fois dans le jeu de plateforme Prince of Persia de 1989, le premier opus de la série emblématique. Le modèle du protagoniste était le frère du seul développeur, Jordan Mechner, et les moments de combats à l’épée imitaient le duel de vrais acteurs du film de 1938 « Les Aventures de Robin Hood ».

Le jeu « rotoscopique » le plus connu est la quête de 1997 The Last Express, développée par le même Mechner. Il s’agit d’un roman policier qui copie presque complètement l’intrigue du roman Meurtre sur l’Orient Express d’Agatha Christie. La principale caractéristique de la quête, en plus de l’utilisation d’une technologie rare dans les jeux, est la méthode narrative. Tous les événements de The Last Express se déroulent en temps réel, accélérés de 5 à 6 fois: l’action commence à 19h14 le 24 juillet 1914 et se termine à 19h30 le 26 juillet – quelques jours avant la déclaration de la Première Guerre mondiale. Pendant ce temps, le joueur tente de résoudre le meurtre d’un ami, tout en s’impliquant dans des intrigues politiques, des romans et d’autres choses sales et intéressantes qui se déroulent à bord du train.

Au total, The Last Express a environ 30 fins, et l’intrigue change sous l’influence de l’action de presque tous les joueurs – même si vous restez immobile. Parce que la vie sur l’Orient Express continue littéralement sans interruption.

Sources utilisées et liens utiles sur le sujet: https://say-hi.me/24-kadra/osnovy-kinoproizvodstva-igrovoe-i-dokumentalnoe-kino.html https://cubiq.ru/luchshie-filmy-po- motivam -igr / https://fishki.net/1494223-10-luchshih-filmov-snjatyh-po-kompjuternym-igram.html https://kanobu.ru/articles/28-filmov-snyatyih-po-igram-368468 / https://www.igromania.ru/article/31037/Yekranizacii_videoigr_kotorye_my_zhdyom(i_ne_ochen).html https://www.nashe.ru/news/luchshie-filmy-snyatye-po-motivam-zen.zenoy . zen.zen.zen.zenigr .ru / media / kinovibor / top-10-samyh-luchshih-filmov-sniatyh-po-igram-5e70fb90c1b8d96d45cc3d0b https://kanobu.ru/articles/interaktivnoe-kino-kak-izfilmov -igryi-

Source d’enregistrement: lastici.ru